REC

Wskazówki dotyczące nagrywania, produkcji, edycji wideo i konserwacji sprzętu.

 WTVID >> Wideo >  >> Edycja wideo >> Adobe Lightroom

Jak stworzyć mroczny i nastrojowy portret w stylu Rembrandt w Lightroom

Stworzenie mrocznego i nastrojowego portretu w stylu Rembrandta w Lightroom obejmuje kilka kroków, koncentrując się na manipulowaniu światłem, cieniem i kolorem, aby osiągnąć ten klasyczny wygląd malarz. Oto podział procesu:

1. Strzelanie z myślą o oświetleniu Rembrandt:

* jedno źródło światła: Podstawą oświetlenia Rembrandt jest użycie pojedynczego źródła światła, zazwyczaj softbox lub dużego okna.

* 45-stopniowy kąt: Umieść źródło światła pod kątem 45 stopni do poddanego, zarówno poziomo, jak i pionowo.

* Kluczowa funkcja:trójkąt światła: Cel do małego, oświetlonego trójkąta światła na policzku naprzeciwko źródła światła. To jest znak rozpoznawania oświetlenia Rembrandt.

* Shadows: Obejrzyj cienie! Są tak samo kluczowe, jak najważniejsze wydarzenia w tworzeniu nastroju i głębokości.

* ciemne tło: Mroczne lub neutralne tło pomaga podkreślić temat i dramat światła.

* rozproszone światło: Użyj dyfuzora (softbox, parasol, scrim), aby zmiękczyć światło i utworzyć bardziej stopniowe przejście między podświetleniami i cieniami.

2. Początkowe korekty lightroom (korekty globalne):

* Import i podstawowe korekty: Zaimportuj swój obraz do Lightroom i przejdź do modułu Rozwoju.

* Korekta profilu: Przejdź do poprawek soczewki i włącz „Usuń aberrację chromatyczną” i „Włącz korektę profilu”. Pomoże to poprawić zniekształcenia obiektywu i frędzlowanie kolorów.

* Ekspozycja: Obniż ekspozycję, aby stworzyć ciemniejszy ogólny obraz. Prawdopodobnie będziesz musiał to dostosować później, ale zacznij od ciemniejszej strony. Zazwyczaj przystanki -0,5 do -1 jest dobrym punktem wyjścia.

* kontrast: Zwiększ kontrast. To pogłębi cienie i sprawi, że atrakcje pojawiają się nieco bardziej. Wartość między +20 a +40 jest typowa.

* Podprawy: Znacząco zmniejsz najważniejsze informacje. To odzyska szczegóły w najjaśniejszych obszarach obrazu i uniemożliwi im przycinanie. Wartość od -50 do -80 jest powszechna.

* Shadows: Nieco podnieś cienie, aby ujawnić pewne szczegóły w ciemniejszych obszarach, ale nie przesadzaj. Chcesz zachować nastrój. +10 do +30 może być dobrym punktem wyjścia.

* białe: Ostrożnie dostosuj suwak białych. Zwiększ go nieznacznie, aby wydobyć najjaśniejsze punkty światła na obrazie, ale unikaj przycinania. Obejrzyj histogram!

* czarne: Opuść suwak Blacks, aby pogłębić cienie i wzmocnić kontrast. Ponownie obejrzyj histogram, aby uniknąć utraty szczegółów w najciemniejszych obszarach.

* Clarity: Dodaj niewielką jasność. Zwiększy to kontrast w połowie tony i doda odrobiny ostrości. Unikaj przesadzania, ponieważ zbyt duża jasność może wyglądać surowo. +5 do +15 jest zwykle wystarczające.

* dehaze: Użyj dehaze * bardzo * oszczędnie. Dotknięcie Dehaze może dodać subtelny dramat, ale zbyt wiele może sprawić, że obraz wyglądał nienaturalnie. +5 do +10 to bezpieczny zakres do eksperymentowania.

* vibrance/nasycenie: Nieznacznie zmniejszyć wibrację. Obrazy Rembrandt często mają stonowane kolory. Nieco obniżanie wibracji może pomóc w osiągnięciu tego wyglądu. -5 do -15 to dobry punkt wyjścia. Początkowo zostaw nasycenie w spokoju, ale przygotuj się na je później.

3. Dostosowanie krzywej tonu:

* S-curve: Tutaj dzieje się magia! Utwórz subtelną S-Curve w panelu krzywej tonowej.

* Pociągnij w dół lewy punkt, aby jeszcze bardziej przyciemnić cienie.

* Podciągnij prawy górny punkt, aby rozjaśnić atrakcje.

* Punkty zakotwiczenia w środku zapobiegają nadmiernemu przystosowaniu.

* Krzywe kanału (opcjonalnie): Aby uzyskać bardziej zaawansowaną kontrolę, możesz dostosować poszczególne kanały RGB w krzywej tonu. Subtelne poprawki do tych kanałów mogą wpływać na tonację i nastrój koloru. Na przykład:

* czerwony kanał: Lekko podnoszenie czerwonego kanału w cieniu może dodać ciepło.

* niebieski kanał: Nieco obniżanie niebieskiego kanału na wyświetleniach może sprawić, że obraz wydaje się cieplejszy.

* zielony kanał: Dostosowanie zielonego kanału jest na ogół mniej powszechne, ale można go użyć do dopracowania równowagi kolorów.

4. Gradowanie kolorów:

* Panel oceniania kolorów (wymiana tonowania podzielonego): Użyj panelu klasyfikacji kolorów (wprowadzonych w nowszych wersjach Lightroom), aby dodać subtelne odcienie kolorów do wyświetleń, środkowych i cieni.

* Shadows: Zastanów się nad dodaniem odrobiny niebieskiego lub turkusowego do cieni, aby stworzyć chłodniej, bardziej dramatyczne.

* Midtones: Dodaj subtelny ciepły ton, taki jak pomarańczowy lub żółty, do śródmieściu. Pomaga to stworzyć kontrast z chłodniejszymi cieniami.

* Podprawy: Dodaj bardzo subtelny ciepły ton (np. Pomarańczowy, żółty) do wyświetleń. Zachowaj to bardzo minimalne.

* Slower Balance: Dostosuj suwak „równowagi” w panelu klasyfikacji kolorów, aby sprzyjać cieniom lub podświetleniu, w zależności od pożądanego wyglądu.

* Slider mieszania: Eksperymentuj z suwakiem „mieszającym”, aby kontrolować, w jaki sposób kolory w rozświetleniach i cienie łączą się ze sobą.

5. Wyostrzenie szczegółów i redukcja szumów:

* wyostrzenie: Zastosuj umiarkowaną ilość wyostrzenia w panelu szczegółowym. Użyj suwaka „maskującego”, aby ograniczyć ostrzenie do krawędzi i uniknąć wyostrzania hałasu w gładkich obszarach. Przytrzymaj klawisz Alt (klawisz opcji na Mac) podczas przeciągania suwaka maskującego, aby zobaczyć maskę.

* Redukcja szumu: W razie potrzeby zastosuj niewielką redukcję szumu. Wysokie obrazy ISO prawdopodobnie będą wymagały większej redukcji szumu.

6. Lokalne korekty (udoskonalenie wyglądu):

* regulacja pędzla/filtr studiów/filtr promieniowy: Użyj tych narzędzi, aby wprowadzić ukierunkowane korekty określonych obszarów obrazu.

* Dodge and Burn: Użyj pędzla regulacyjnego o niskim przepływie i gęstości, aby subtelnie unikać (rozjaśnia) podświetlacze i spal (ciemne) cienie. To naśladuje tradycyjną technikę ciemni i dodaje głębokości.

* Uwaga Focus: Użyj filtra promieniowego z niewielką redukcją ekspozycji i zmniejszeniem przejrzystości wokół krawędzi ramy, aby przyciągnąć oko widza do obiektu.

* Zwiększ trójkąt światła: Użyj pędzla regulacyjnego, aby w razie potrzeby subtelnie rozjaśnić trójkąt światła na policzek.

* Zmniejsz rozproszenie: Użyj pędzla regulacyjnego, aby przyciemnić wszelkie rozpraszające elementy w tle.

7. Kalibracja (opcjonalnie):

* Panel kalibracji kamery: Eksperymentuj z panelem kalibracji kamery, aby dopracować profil kolorów obrazu. Dostosowanie czerwonego, zielonego i niebieskiego odcienia pierwotnego i nasycenia może subtelnie zmienić ogólną tonalność kolorów.

8. Ustawienia eksportu:

* Rozdzielczość: Eksportuj w wysokiej rozdzielczości, jeśli planujesz wydrukować obraz.

* Format pliku: JPEG to dobry wybór do użytku w sieci. TIFF jest lepszy do archiwizacji i drukowania.

* Kolor Space: SRGB to standardowa przestrzeń kolorów dla sieci. Adobe RGB jest szerszy, ale nie może być wyświetlany poprawnie na wszystkich urządzeniach.

Kluczowe wskazówki dotyczące portretów w stylu Rembrandta:

* subtelność jest kluczowa: Unikaj nadmiernego przetwarzania. Najlepsze portrety w stylu Rembrandt są subtelne i wyrafinowane.

* Zwróć uwagę na odcienie skóry: Upewnij się, że odcienie skóry wyglądają naturalnie i zdrowe.

* eksperyment: Nie bój się eksperymentować z różnymi ustawieniami, aby znaleźć preferowany wygląd.

* Użyj obrazów referencyjnych: Przestudiuj klasyczne obrazy Rembrandt, aby poczuć oświetlenie, kolor i nastrój.

* Ćwicz: Im więcej ćwiczysz, tym lepiej będziesz w tworzeniu portretów w stylu Rembrandta.

* Wyrażenie modelu: Wyrażenie modelu jest niezbędne. Poważna, przemyślana lub lekko melancholijna ekspresja często działa dobrze.

* odzież i rekwizyty: Mroczne, proste ubrania i minimalne rekwizyty przyczyniają się do ogólnego nastroju.

Przykładowe podsumowanie przepływu pracy:

1. Importuj i włącz korektę soczewek.

2. Zmniejsz ekspozycję (-0,5 do -1).

3. Zwiększ kontrast (+20 do +40).

4. Zmniejsz podświetlenia (-50 do -80).

5. Nieco podnieś cienie (+10 do +30).

6. Ostrożnie dostosuj białka i czarne (obserwuj histogram).

7. Dodaj niewielką przejrzystość (+5 do +15).

8. Zmniejsz wibrację (-5 do -15).

9. Utwórz subtelną S-Curve w krzywej tonowej.

10. Gradowanie kolorów (cienie - niebieskie/turkusowe, śróddech - pomarańczowe/żółte, podświetlacze - minimalny ciepły ton).

11. Wyostrzenie i redukcja szumów (w razie potrzeby).

12. Lokalne korekty (Dodge/Burn, Filtry promieniowe dla ostrości).

Pamiętaj, że to tylko wytyczne. Najlepsze ustawienia będą zależeć od konkretnego obrazu. Użyj oka i eksperymentuj, aby osiągnąć pożądany wygląd! Powodzenia!

  1. Jak korzystać z korekcji kolorów w Lightroomie

  2. Jak dodać efekt grunge, które Twoje portrety za pomocą Lightroom

  3. Pokój z widokiem:jak stworzyć ten okno, w dowolnym miejscu

  4. Jak edytować korporacyjne strzały w Lightroom

  5. Jak używać małej softbox z portretami transformacji flash

Adobe Lightroom
  1. Co jest lepsze DaVinci Resolve Blackmagic czy Adobe Premiere Pro?

  2. 5 wskazówek, jak założyć domowe studio dla dramatycznych portretów

  3. Spojrzenie na ustawienia Lightroom

  4. Jak używać kolorowych żeli tworzą unikalne i kreatywne portrety

  5. Jak Craig Tollis wykorzystał programy Adobe Premiere Pro, After Effects i Photoshop przy nagrodzonym filmie „Love Taxe$”

  6. Utwórz ciepły obraz o zachodzie słońca w programie Lightroom 4

  7. Wypróbuj te fajne narzędzia i sztuczki, aby zniekształcić obraz w Photoshopie!