Tworzenie mrocznego i nastrojowego portretu w stylu Rembrandt w Lightroom
Oświetlenie Rembrandt, charakteryzujące się małym trójkątem światła na zacienionych policzka, jest klasyczną techniką tworzenia dramatycznych i nastrojowych portretów. Oto załamanie tego, jak osiągnąć ten wygląd w Lightroom:
i. Punkt wyjścia:Twój obraz
* Idealny obraz: Zacznij od obrazu, który ma już oświetlenie kierunkowe. Pojedyncze źródło światła nieco z jednej strony obiektu jest idealne. Badani o silnych rysach twarzy i strukturze kości mają najlepiej działać.
* Unikaj: Płaskie, a nawet oświetlenie z przodu lub ostre, bezpośrednie światło słoneczne sprawi, że ten proces będzie znacznie trudniejszy.
ii. Ustawienia rozwoju Lightroom (panel podstawowy):
Tutaj dzieje się magia. Cieraj na wysoki stopień kontrastu i głębokich cieni.
* Profil: Wybierz profil, który uzupełnia Twój temat i istniejące światło. Wypróbuj profile „Camera Raw” (np. Standard kamery, krajobraz aparatu, portret aparatu) lub eksperymentuj z profilem artystycznych Adobe, aby uzyskać wyjątkowy nastrój.
* Bilans biały: Dostosuj równowagę białą, aby pasować do nastroju. Cieplejsze odcienie (lekko żółte/pomarańczowe) mogą poprawić „stary mistrz”. Fajne tony mogą stworzyć inny, choć mniej tradycyjny nastrój. Jeśli go masz, użyj EyeDropper na neutralnym szarym strefie, w przeciwnym razie dostosuj się do smaku.
* Ekspozycja: Zazwyczaj będziesz chciał zmniejszyć Ekspozycja o przyciemnienie ogólnego obrazu i podkreśla cienie. Nie bój się iść dość ciemno.
* kontrast: Zwiększ Kontrast znacznie. To oddzieli najważniejsze atrakcje i cienie, tworząc ten dramatyczny charakter.
* Podprawy: Zmniejsz Najważniejsze informacje. To przywraca szczegółowe informacje na temat jasnych obszarów i uniemożliwia im wysadzenie.
* Shadows: Zwiększ cienie, ale subtelnie. Celem nie jest rozjaśnienie całego obszaru cienia, ale podnoszenie szczegółów * nieznacznie *, aby zapobiec całkowitej czerni. Trochę podnoszenia może tutaj tworzyć szczegóły w ciemniejszych regionach bez utraty nastroju.
* białe: Zmniejsz białe. Podobnie jak najważniejsze informacje, zapobiegnie to przycinaniu najjaśniejszych obszarów i zwiększy głębokość.
* czarne: Zmniejsz Czarni. To pogłębia cienie i zwiększa ogólną ciemność obrazu. Uważaj, aby nie zmiażdżyć Czarnych, tracąc wszystkie szczegóły.
* obecność (jasność, tekstura, dehaze):
* Clarity: subtelny wzrost (lub czasami * zmniejszają * dla bardziej miękkiego, bardziej malarskiego wyglądu). Zbyt wiele może wyglądać ostro. Eksperymentuj, aby znaleźć to, co działa dla twojego konkretnego obrazu.
* tekstura: subtelny wzrost Aby podkreślić szczegóły skóry. Ponownie użyj oszczędnie.
* dehaze: Zasadniczo zostaw to na zero lub nawet nieco negatywne. Dehaze nie jest zwykle kluczowym elementem tego stylu.
* vibrance/nasycenie: Zmniejsz Nasycenie nieznacznie, aby wyciszić kolory i nadać bardziej stonowaną atmosferę. Wibrację może być używana swobodniej, jeśli chcesz zachować pewną żywą żywność, ale ogólnie mniej znaczy więcej.
iii. Krzywa tonowa:
Krzywa tonowa ma kluczowe znaczenie dla dopracowania kontrastu i stworzenia określonego nastroju.
* Krzywa punktowa (zalecana): Przełącz na krzywą punktową i utwórz subtelną krzywą „S”. Zwiększy to kontrast. Odciągnij górną część krzywej lekko do ciemności podświetleń i lekko podnieś dno krzywej, aby nieco otworzyć cienie.
* krzywa regionu: Alternatywnie możesz użyć krzywej regionu, ale krzywa punktowa oferuje dokładniejszą kontrolę.
iv. HSL/Kolor Panel:
Użyj tego, aby dostosować poszczególne kanały kolorów.
* hue: Dokonaj subtelnych regulacji odcienia odcieni skóry lub tła, aby uzyskać harmonijną paletę kolorów.
* Nasycenie: Zmniejsz Nasycenie większości kolorów, z wyjątkiem być może odcieni skóry. Pomaga to desaturować obraz i stworzyć bardziej wyciszony, antyczny wygląd.
* Luminance: Dostosuj luminancję poszczególnych kolorów, aby przyciemnić lub rozjaśnić określone obszary. Na przykład możesz przyciemnić luminancję bluesa lub zieleni w tle.
v. Panel detali:
* wyostrzenie: Zastosuj wyostrzenie w razie potrzeby. Zacznij od niskiej ilości i zwiększ, aż zobaczysz pożądany poziom szczegółowości. Użyj maskowania, aby zapobiec wyostrzeniu w obszarach, w których nie chcesz (np. Gładka skóra).
* Redukcja szumu: Zastosuj redukcję szumów, aby oczyszczyć hałas, który mógł zostać wprowadzony podczas procesu edycji, zwłaszcza jeśli zwiększyłeś cienie.
vi. Panel efektów:
* ziarno: Dodanie odrobiny ziarna może poprawić „stary mistrz”. Eksperymentuj z różnymi ilościami i rozmiarem ziarna. Niewielka ilość jest często wystarczająca.
* winieta: Dodaj ciemną winietę Aby przyciemnić krawędzie obrazu i przyciągnąć oko widza do tematu. Użyj suwaka „kwoty”, aby kontrolować wytrzymałość winiety i suwaka „środkowego punktu”, aby dostosować rozmiar. Użyj „pióra”, aby stworzyć miękką mieszankę.
vii. Kalibracja (opcjonalnie, ale potężna):
Panel kalibracji aparatu może mieć znaczący wpływ na kolor i nastrój obrazu.
* Eksperymentuj z czerwonymi, zielonymi i niebieskimi suwakami pierwotnymi. Małe korekty mogą znacznie zmienić ogólny ton. Często ciągnięcie niebieskiego podstawowego w kierunku żółtej/pomarańczowej strony może stworzyć ciepły, vintage.
viii. Lokalne korekty (kluczowe dla oświetlenia Rembrandta):
Tutaj naprawdę wyrzeźbiasz światło. Użyj tych narzędzi do tworzenia lub ulepszania trójkąta Rembrandt:
* pędzel regulacyjny lub filtr promieniowy:
* ciemne obszary: Użyj ujemnej ekspozycji i/lub szczotek cieni, aby przyciemnić obszary wokół obiektu, dodatkowo podkreślając światło. Skoncentruj się na krawędziach ramy i obszarach, w których * nie * nie chcesz, aby oko widza poszło.
* rozjaśnij trójkąt: W razie potrzeby użyj dodatniej ekspozycji i/lub cieni szczotki, aby subtelnie rozjaśnić trójkąt Rembrandt na zacieniony policzek. Celem nie jest uczynienie go dramatycznie jaśniejszym, ale po prostu definiowanie tego wyraźniej.
* Dodge and Burn: Użyj pędzla regulacyjnego z bardzo subtelnymi regulacjami ekspozycji, aby uzyskać określone obszary Dodge (Liven) i Burn (Darken), tworząc subtelne podświetlenia i cienie dla większej głębokości i wymiaru.
* Filtr dyplomowy: Użyj filtrów stopniowych, aby przyciemnić górną lub dolną część obrazu, tworząc bardziej dramatyczny efekt.
ix. Ustawienia eksportu:
* Rozdzielczość: Upewnij się, że rozdzielczość jest odpowiednia do zamierzonego użycia. Wysoka rozdzielczość dla wydruków, niższa rozdzielczość dla sieci.
* Format pliku: JPEG nadaje się do użytku w Internecie. TIFF jest lepszy do celów archiwalnych lub dalszej edycji.
* Kolor Space: SRGB dla sieci. Adobe RGB 1998 dla drukowania (jeśli drukarka ją obsługuje).
Wskazówki i rozważania:
* subtelność jest kluczowa: Unikaj przesadzania jakiejkolwiek pojedynczej regulacji. Małe, przyrostowe zmiany są często bardziej skuteczne niż duże, dramatyczne.
* eksperyment: Nie bój się wypróbować różnych ustawień i zobaczyć, co działa najlepiej dla Twojego obrazu. Nie ma żadnego uniwersalnego przepisu.
* Badaj obrazy Rembrandta: Spójrz na przykłady pracy Rembrandta, aby lepiej zrozumieć wzorce oświetlenia i nastrój, który stworzył.
* Ćwicz: Im więcej ćwiczysz, tym lepiej będziesz w tworzeniu tego rodzaju portretów.
* Nieniszcząca edycja: Lightroom jest nieniszcząca, więc zawsze możesz powrócić do oryginalnego obrazu, jeśli nie podoba ci się wyniki.
* Wybór tematu: Rozważ osobowość i cechy podmiotu. Oświetlenie Rembrandt może być szczególnie pochlebne na twarzach o silnej strukturze kości.
* tło: Mroczne, proste tło pomoże podkreślić temat.
* Zwróć uwagę na oczy: Upewnij się, że oczy są ostre i dobrze oświetlone. Oczy są oknem na duszę i powinny być centralnym punktem portretu. Subtelny unik na tęczówce może mieć dużą różnicę.
* tony skóry: Zwróć szczególną uwagę na odcienie skóry. Celem jest osiągnięcie naturalnego, ale lekko wyciszonego wyglądu. Unikaj, aby skóra wyglądała zbyt pomarańczowo lub żółta.
Podążając za tymi krokami i ćwicząc regularnie, możesz tworzyć oszałamiające, ciemne i nastrojowe portrety w stylu Rembrandt w Lightroom, które wychwytują esencję tej klasycznej techniki malowania. Powodzenia!