i. Zrozumienie oświetlenia Rembrandt:
* Kluczowa funkcja: Podpisem oświetlenia Rembrandta jest niewielki, trójkątny plam światła na policzku podmiotu, który jest przeciwny do pierwotnego źródła światła. Ten trójkąt jest wizualną wskazówką, do której dążymy.
* jedno źródło światła: Zasadniczo używa pojedynczego, stosunkowo małego źródła światła (prawdziwego lub dorozumianego).
* kąt: Źródło światła powinno być ustawione pod kątem 45 stopni do obiektu i nieco powyżej poziomu oczu. To pozycjonowanie rzuca charakterystyczny cień.
* nacisk na cień: Shadow odgrywa kluczową rolę, tworząc głębię, dramat i rzeźbiąc twarz.
* Subtelne światło: Ogólne oświetlenie nie jest zbyt jasne; Jest bardziej stonowany, ze stopniowym przejściem od światła do cienia.
ii. Zanim zaczniesz:zdjęcie
* Idealnie strzelaj z myślą o Rembrandta: Jeśli to możliwe, strzel z pojedynczym źródłem światła ustawionym zgodnie z opisem powyżej. To pozwoli ci zaoszczędzić dużo czasu na przetwarzaniu.
* odpowiedni temat: Działa dobrze z podmiotami, które mają silne rysy twarzy i poczucie głębi (starsze osoby, aktorzy postaci itp.).
* Neutralne tło: Mroczne, neutralne tło zwiększy nastrój.
* RAW Format: Strzelanie w RAW zapewnia największą elastyczność i kontrolę w przetwarzaniu końcowym.
iii. Kroki edycji Lightroom:
1. Podstawowe korekty (podkład):
* Ekspozycja: Zacznij od niższej ekspozycji. Chcemy ciemniejszego obrazu. Zasadniczo zatrzymanie -0,5 do -1. Dostosuj się do smaku.
* kontrast: Zwiększ kontrast, aby zwiększyć cienie i wyróżnienia. Zacznij od +15 do +30.
* Podprawy: Znacząco zmniejsz najważniejsze informacje. To przywróci szczegóły w jaśniejszych obszarach i stworzy bardziej wyciszony wygląd. Spróbuj -50 do -75.
* Shadows: Nieco otwórz cienie, aby ujawnić szczegóły, ale nie przesadzaj. +10 do +25.
* białe: Opuść białe, aby zapobiec przycinaniu w najjaśniejszych obszarach. -20 do -40.
* czarne: Opuść Czarnych, aby pogłębić cienie i dodać do nastroju. -20 do -40.
* Clarity: Używaj oszczędnie. Niewielki wzrost może dodać tekstury, ale zbyt wiele może wyglądać na ostre. +5 do +15. Alternatywnie, * zmniejszenie * jasności może zmiękczyć skórę.
* dehaze: Dotknięcie Dehaze może dodać dramat i intensywność. +5 do +15. Ponownie, używaj oszczędnie, ponieważ zbyt wiele może wyglądać nienaturalnie.
2. krzywa tonu (rzeźbiąc światło):
* Krzywa punktowa: Przejdź do panelu krzywej tonowej (krzywa tonu HSL/Color>).
* s-curve: Utwórz delikatną klapę S, dodając punkt w prawej górnej kwadrancie i ciągnąc go lekko w górę i w lewo, a także kolejny punkt w lewym dolnej części kwadrantu i pociągając go lekko w dół i w prawo. To jeszcze bardziej zwiększy kontrast. Nie rób to zbyt ekstremalnego.
* Krzywe kanału (opcjonalnie): Możesz użyć krzywych czerwonego, zielonego i niebieskiego kanału, aby subtelnie dostosować odcienie kolorów. Na przykład lekko zwiększenie niebieskiego w cieniu może stworzyć chłodniej, bardziej dramatyczne.
3. HSL/Color Panel (Rafining Color):
* Nasycenie: Zmniejsz ogólne nasycenie, aby stworzyć bardziej wyciszony i desecykowany wygląd. To kluczowy element stylu Rembrandt. -10 do -25.
* Luminance: Skoncentruj się na luminancji określonych kolorów.
* pomarańczowy/żółty: Dostosuj je, aby kontrolować jasność odcienia skóry. Zasadniczo będziesz chciał subtelnie przyciemnić pomarańczową luminancję, aby stworzyć bardziej dramatyczny wygląd. -5 do -15.
* Inne kolory: W razie potrzeby dostosuj luminancję innych kolorów. Na przykład, jeśli tło jest rozpraszającym kolorem, desaturat i ciemność.
* hue: Subtelne regulacje odcienia mogą dostroić odcienie skóry.
4. Panel detali (ostrość i redukcja szumów):
* wyostrzenie: Zastosuj umiarkowaną ilość wyostrzenia, aby wydać szczegóły. Użyj suwaka maskującego, aby zapobiec wyostrzeniu w obszarach o mniejszych szczegółach (takich jak tło).
* Redukcja szumu: W razie potrzeby zwiększyć redukcję szumów luminancji, aby wygładzić obraz, szczególnie w cieniu. Redukcję szumu koloru można również użyć subtelnie.
5. Panel efektów (dodanie atmosfery):
* ziarno: Dodaj niewielką ilość ziarna, aby nadać obrazowi teksturę przypominającą film. Ilość:5-15, rozmiar:Mała, szorstkość:Średnia.
* Vignetting: Dodaj subtelną winietę, aby przyciągnąć oko widza do tematu. Użyj wartości ujemnej, aby przyciemnić krawędzie.
6. Lokalne korekty (dopracowanie):
* pędzel regulacyjny (lub filtr promieniowy/stopniowy): Użyj pędzla regulacyjnego, aby selektywnie dostosować określone obszary.
* Dodge &Burn: Użyj szczotek z dodatnią ekspozycją do unikania (rozjaśnianie) i negatywnej ekspozycji na spalanie (ciemnienie). Subtelnie zwiększ trójkąt światła Rembrandt i pogłębia cienie wokół twarzy.
* Ulepszenie oka: Lekko rozjaśnij i wyostrzcie oczy.
* Wygładzanie skóry: Użyj pędzla o zmniejszonej przejrzystości i ostrości, aby delikatnie gładkie niedoskonałości skóry.
* Podświetlanie i udoskonalenie cienia: Dostosuj wyróżnienia i cienie, aby stworzyć pożądany nastrój i głębokość.
iv. Kluczowe rozważania i wskazówki:
* subtelność jest kluczowa: Unikaj ekstremalnych korekt. Celem jest naturalny, choć nastrojowy, wygląd.
* Skoncentruj się na świetle: Najważniejszym elementem jest odtwarzanie esencji oświetlenia Rembrandta:pojedyncze źródło światła, trójkątna łatka i dominacja cieni.
* Zachowaj szczegóły: Nie zmniejszaj hałasu ani nie nadmiernie wybuchu. Obraz powinien mieć poczucie głębokości i tekstury.
* Gradowanie kolorów: Eksperymentuj z podzielonym toningiem, aby dodać subtelne odlewki kolorów do podświetleń i cieni. Chłodniejszy ton w cieniu i cieplejszy ton w najważniejszych momentach mogą poprawić nastrój.
* Proces iteracyjny: Edycja Lightroom jest procesem iteracyjnym. Dokonaj małych regulacji, a następnie cofnij się i ponownie oceniaj.
* Obrazy odniesienia: Przestudiuj rzeczywiste obrazy i zdjęcia Rembrandt, które naśladują styl. Zwróć uwagę na sposób, w jaki światło i cień są używane do tworzenia nastroju i formy.
* tony skóry: Zwróć szczególną uwagę na odcienie skóry i upewnij się, że pozostają naturalne, nawet przy descytowanej i nastrojowej estetyce.
* Preprezentacje jako punkt wyjścia: Możesz znaleźć lub utworzyć ustawienia wstępne, aby przyspieszyć proces, ale należy je dostosować tak, aby pasowały do określonego obrazu.
Przykładowy przepływ pracy (uproszczony):
1. Ekspozycja: -0,7
2. Contrast: +25
3. Podprawy: -60
4. Shadows: +15
5. białe: -30
6. czarne: -25
7. Clarity: +8
8. krzywa tonowa: Delikatny Curve S.
9. Nasycenie: -15
10. Orange Luminance: -10
11. Wyostrzenie: Kwota 60, maskowanie 40
12. ziarno: Kwota 10
13. winieta: -15
Pamiętaj: To jest przewodnik, a nie sztywna formuła. Dostosuj ustawienia, aby pasowały do konkretnych cech twojego obrazu i wizji artystycznej. Eksperymentuj, ucz się i ćwicz!