Kiedy zaczynasz pracę nad filmem, uczysz się wielu rzeczy w praktyce, ale bez formalnych instrukcji, informacje, które odkrywasz, mogą nie być dokładne. Niezależnie od tego, czy jest to wiedza zebrana w Internecie, czy coś, co słyszałeś od innych filmowców, nieuchronnie natkniesz się na pewne „mity” na temat tego procesu. Nie daj się nabrać! Jesteśmy tutaj, aby oddzielić fakty od fikcji, obalając te powszechne mity produkcyjne.
MIT 1 – Mikrofony typu shotgun mogą „przybliżać się” w celu przechwytywania dźwięku
Nagrywanie doskonałego dźwięku to podstawa praktycznie każdego tworzonego filmu. Chociaż złe wideo można (w większości) poprawić w postprodukcji, niewiele można zrobić w przypadku słabego dźwięku. Dlatego nagranie doskonałego dźwięku na początku ma kluczowe znaczenie, a szukając sposobów na uzyskanie lepszego dźwięku, możesz spotkać się z mitem, że mikrofony typu shotgun mogą powiększać obraz.
To jednak jest całkowicie fałszywe. To kuszący pomysł dla filmowców (powód, dla którego mit wciąż krąży), ponieważ taki mikrofon pozwalałby trzymać wysięgnik dalej, zapewniając więcej opcji ujęć podczas filmowania. Nie tak działają mikrofony typu shotgun.
To, że ten mit nie jest prawdziwy, nie oznacza, że strzelby nie są niesamowitym wyposażeniem, które można mieć. Są to całkowicie kierunkowe mikrofony. Ich wąski stożek skupienia oznacza, że dźwięki peryferyjne są wyciszone, więc nawet jeśli nagrywasz w mniej niż idealnych warunkach, nadal będziesz w stanie uzyskać wysokiej jakości dźwięk podczas filmowania.
Mikrofony typu shotgun mogą nie „przybliżać”, ale są doskonałym narzędziem do izolowania dźwięku z odległości, których nie można ryzykować w przypadku innych mikrofonów. Zasięg, jaki masz, różni się w zależności od marki/typu zakupionego mikrofonu typu shotgun, sposobu jego montażu i ogólnego wzorca podnoszenia. Niezależnie od tego jest to solidny sprzęt, który powinien mieć każdy filmowiec.
MIT 2 – Im większy czujnik, tym mniejsza głębia ostrości
Większy jest zawsze lepszy w większości w przypadku czujników aparatu, ale z biegiem lat pojawił się pomysł, że im większy czujnik aparatu, tym lepszą głębię ostrości będziesz mieć. Odgrywa to rolę w zbliżeniu się do wyglądu filmu, do którego tak wielu dąży, ale większy czujnik niekoniecznie oznacza zawężenie głębi ostrości w kadrze.
Głębia ostrości jest wypadkową trzech czynników:przysłony, ogniskowej i odległości od obiektu. Zauważ, że żaden z tych czynników nie wspomina o rozmiarze czujnika. Podobnie jak w przypadku większości rzeczy w świecie filmowym, uzyskanie pożądanej głębi ostrości wymaga starannego planowania ujęć i zwracania uwagi na zasady projektowania kadrów.
Biorąc to pod uwagę, ten mit nie jest całkowicie obalony, ponieważ rozmiar czujnika aparatu jest związany z głębią ostrości. Większa matryca zapewnia lepszą jakość obrazu i większą ogniskową, co może poprawić wygląd, do którego dążysz. Co ważniejsze, nie musisz się martwić problemami z kadrowaniem, które mają mniejsze czujniki.
Mówiąc najprościej, mniejszy czujnik przytnie obraz, zawężając pole widzenia na kadrze. Jeśli kamera z dużym czujnikiem i kamera z mniejszym czujnikiem nagrywały dokładnie w tym samym miejscu, mniej obrazu byłoby widoczne z mniejszego czujnika. Możesz uzyskać ten sam widok, co większy czujnik, odsuwając kamerę, ale teraz zmieniasz ogniskową, co z kolei znacznie utrudnia osiągnięcie płytkiej głębi ostrości.
Tak, większy czujnik może odegrać rolę w zapewnieniu dużej głębi ostrości w podobny sposób, w jaki lepszy aparat zawsze ułatwi osiągnięcie celów wizualnych. Nic nie zapewni automatycznie małej głębi ostrości, więc niezależnie od dostępnego sprzętu, zawsze odpowiednio zaplanuj swoje ujęcia. 
MIT 3 – 24 pensy zapewni Ci „filmowy wygląd”
W dobie cyfrowego kinematografii nie ma nic bardziej pożądanego ani osławionego niż „filmowy wygląd”. Nie jest tajemnicą, że filmy, które oglądasz na dużym ekranie, wyglądają inaczej niż te kręcone kamerami konsumenckimi. Każdy z szeroko otwartymi oczami studenta filmowego słyszy szeptane słowa rad, jak nadać filmowi wygląd i wznieść swoje projekty. Podczas własnych poszukiwań możesz natknąć się na tę odpowiedź:24p.
Ten mit wywodzi się z oczywistego źródła. Film nagrywany jest z szybkością 24 klatek na sekundę (kl./s), podczas gdy taśma cyfrowa odbywa się z prędkością 29,97 kl./s. Dlatego wielu przypisuje temu rozbieżności wizualnej. Jednak liczba klatek na sekundę to tylko część problemu, a samo przełączenie aparatu na nagrywanie w rozdzielczości 24p nie zapewni Ci wyglądu filmu — gdyby tylko było to takie proste.
Prawda jest taka, że filmowanie w 24p to tylko część równania uzyskania wyglądu filmu na urządzeniach cyfrowych. Różne obiektywy aparatu i ustawienia oświetlenia są głównymi czynnikami wpływającymi na odpowiedni wygląd filmu; bardziej niż nagrywanie w 24p. Chociaż dostosowanie szybkości klatek wpłynie na wygląd projektu, ogólne stwierdzenie „24p daje wygląd filmu” jest fałszywe. Potrzebne są inne elementy i wymagany będzie dodatkowy sprzęt. Jeśli planujesz projekt mając to na uwadze, musisz upewnić się, że masz wszystkie narzędzia i budżet potrzebne do jego realizacji.
MIT 4 – Czarno-białe sprawiają, że wszystko staje się bardziej eleganckie
Czerń i biel jako estetyka jest ogólnie bardzo klasyczna. W końcu tylko tak powstawały filmy z naszej przeszłości. Nawet dzisiaj filmowcy używają go, aby wywołać określone uczucia w widzach, ale to nie znaczy, że jest odpowiedni we wszystkich sytuacjach.
Nagrywanie w czerni i bieli wymaga dużo przemyślenia, aby używać go poprawnie. Samo pojawienie się i podjęcie decyzji o zrobieniu tego, aby Twój film był „klasyczny”, nie zadziała. Szczerze mówiąc, nagrywanie w czerni i bieli przy dobrym wyglądzie może być o wiele trudniejsze niż regularne filmowanie.
Oświetlenie czarno-białe jest diametralnie inne i wymaga więcej przemyśleń, aby upewnić się, że zrobisz to dobrze. Dla wielu wybór projektu jest refleksją, w której starają się dodać efekt w postprodukcji. Często jest to katastrofalne. Zamiast nadawania scenom klasycznego charakteru, kończą z wizualizacją, która tylko zwraca większą uwagę na fakt, że jest to utwór cyfrowy.
Jest trochę prawdy w tym micie, że nagranie w czerni i bieli może nadać Twojemu projektowi wyjątkowy, klasyczny/wyrafinowany charakter. Jednak ustawienie go tak, jak chcesz, oznacza, że musisz zaplanować kręcenie z dużym wyprzedzeniem. 
MIT #5 – Balans bieli „Trzeba” wykonać na białej karcie
Balans bieli jest przedmiotem wielu mitów w świecie filmowym, a niektórzy uważają go za lekarstwo na wszelkie problemy z balansem kolorów, ale żaden z nich nie jest koniecznie prawdziwy. Wyważanie bieli w aparatach do sesji zdjęciowej jest ważnym krokiem i chcesz się upewnić, że zostało to zrobione poprawnie. W tym miejscu wkradł się kolejny mit, który skłania niektórych ludzi do przekonania, że prawidłowe wyważenie wymaga białej karty.
Nie oznacza to, że nie ma przypadków, w których użycie czystej białej karty jest konieczne, po prostu nie jest to jedyna dostępna opcja. Balans bieli można wykonać za pomocą dowolnego neutralnego przedmiotu, o ile nie zawiera on żadnych dodatkowych kolorów.
Zdarzają się sytuacje, w których używanie bieli do balansowania działa przeciwko tobie, zamiast poprawiać jakość twojego strzału. Sposób, w jaki ludzkie mózgi postrzegają kolor, często różni się od tego, jak wyglądają podczas nagrywania kamerą (tj. większość ludzi kojarzy cieplejsze odcienie na poranek i chłodniejsze/ciemniejsze odcienie na wieczory). Podczas oświetlania scen należy pamiętać o odcieniach/temperaturach kolorów, ale jest to również czynnik wpływający na balans bieli w aparacie.
Nie przeszkadzaj sobie, używając tylko białej karty do równoważenia. Możesz poeksperymentować z innymi opcjami, a może znajdziesz obiekt, który lepiej sprawdzi się w Twoim projekcie. Upewnij się, że masz wyregulowaną i wyważoną kamerę tak, jak chcesz, zanim zaczniesz kręcić scenę. Balansowanie na scenę nocną, a następnie przejście na scenę dzienną bez zmiany balansu spowoduje później wszelkiego rodzaju problemy.
„Łatwy sposób” rzadko się sprawdza
Przemysł filmowy obfituje w mity i nieścisłości, a kiedy zaczynasz lub uczysz się wszystkiego sam, trudno jest śledzić, co jest prawdą, a co fałszem. W kręceniu filmów, jak w przypadku każdego mitu, jeśli brzmi zbyt pięknie, aby mógł być prawdziwy, prawdopodobnie tak jest. Niezależnie od tego, czy są to narracje, czy wydarzenia na żywo, ważne jest, aby nie spieszyć się i mieć plan swoich projektów.
Nie przypinaj sukcesu swojego projektu do mikrofonów z zoomem i niezawodnej metody filmowej. Włóż wysiłek i pracę, aby był to absolutnie najlepszy projekt, jaki możesz, z dostępnym sprzętem i doświadczeniem. Do tej pory możesz tylko ścigać mit, zanim cię spali.
Pasek boczny:Przeprowadź badania (nie daj się nabrać)
Mity rozprzestrzeniają się i rozwijają, ponieważ często zawierają ziarno prawdy. Dla tych, którzy dopiero zaczynają, ogrom internetu jest świetnym miejscem do szukania wskazówek. Niebezpieczeństwo polega jednak na tym, że nie wszystkie te informacje są dokładne i możesz dać się ponieść większej liczbie mitów niż tylko te, o których wspomnieliśmy.
Unikaj dawania się nabrać, badając i nie spiesząc się z przeczytaniem wszystkiego, co znajdziesz. Pierwsza odpowiedź/rozwiązanie, jakie znajdziesz dla konkretnego zapytania, może nie zawsze być poprawna. Nie wahaj się dwukrotnie sprawdzić w innych źródłach i zagłębić się w temat dalej. To najprostszy sposób, aby upewnić się, że otrzymujesz najdokładniejsze możliwe porady.
Inną metodą jest upewnienie się, że otrzymujesz informacje z wiarygodnych źródeł. Na przykład uzyskanie wskazówek dotyczących mikrofonu od osoby na forum w losowej witrynie może nie być tak wiarygodne, jak oficjalny artykuł w zasobach filmowych (takich jak my). Nie znaczy to, że wszystkie informacje, które znajdziesz podczas rozmów z innymi kamerzystami, są błędne lub złe, po prostu mogą nie być dokładnie tym, czego potrzebujesz. Mogą też uzyskiwać swoje informacje na podstawie dokładnie tych samych mitów, które my widzieliśmy.
Nie idź na skróty, jeśli chodzi o badanie sposobów doskonalenia swoich umiejętności. Bądź sumienny, a Twoje szanse na popadnięcie w jakikolwiek mit drastycznie zmniejszą się.
Jordan Maison jest redaktorem i artystą VFX, który wykorzystał swój talent do tworzenia treści internetowych dla Disney Studios oraz witryn z filmami i grami wideo.