Błędy ciągłości to jeden z najłatwiejszych sposobów na przerwanie koncentracji odbiorców. Porozmawiajmy, jak rozwiązać problemy z ciągłością w postprodukcji.
O czym myślisz, gdy słyszysz słowo „ciągłość?”
Możesz pomyśleć o filiżance Starbucks stojącej na stole w Westeros lub o dłoni motywującej welociraptora do przodu. Jednak jednym z najważniejszych aspektów technicznych filmu jest ciągłość montażu. Ma to oczywiście miejsce wtedy, gdy po jednym ujęciu następuje kolejne ujęcie, które ma sens czasowo i przestrzennie w danej scenie.
Jeśli chodzi o błędy w ciągłości montażu, mogłeś zauważyć rażące różnice wizualne między cięciami w głównych hitach kinowych, spowodowane powtórkami nakręconymi kilka miesięcy po oryginalnych zdjęciach. Istnieje mnóstwo powodów, dla których ciągłość montażu filmu cierpi. Jednak prawie zawsze to nie redaktor jest winny.
Problemy produkcyjne i problemy logistyczne mogą zmienić życie montażysty w piekło, gdy zobaczy się cały niespójny materiał. Mimo to istnieje kilka technik i wskazówek, o których należy pamiętać w celu zapewnienia ciągłości przed przystąpieniem do kolejnej edycji. Zaczynajmy!
Nadzorca skryptu kontra redaktor
Być może myślisz, ale czy na planie nie ma osoby odpowiedzialnej za dopilnowanie, aby te rażące niedopasowane problemy się nie zdarzały ?
Założę się, że tak. W przeważającej części kierownik scenariusza jest odpowiedzialny za zapewnienie spójności pomiędzy jednym ujęciem i sceną a następną. W szczególności ich zadaniem jest zwracanie uwagi na to, co robią postacie i gdzie się znajdują w całej relacji rozgrywającej się w danej scenie.
Jeśli kiedykolwiek byłeś na planie, wiesz, jak chaotyczny, zdezorganizowany i szybki może być każdy aspekt. To ma sens tylko wtedy, gdy kierownik scenariusza od czasu do czasu wpadnie w poślizg, pozwalając, żeby coś go ominęło podczas kręcenia sceny.
Ogólnie rzecz biorąc, kierownik scenariusza szuka garderoby, rekwizytów, stylizacji i zmian scenografii, które mogą nastąpić pomiędzy ujęciami. Targowisko próżności opublikował kilka lat temu niesamowity przykład i zestawienie znaczenia kierownika scenariusza. Sprawdź to poniżej.
Pomyśl o postaci jedzącej cheeseburgera podczas rozmowy. Wyobraź sobie, że w trakcie rozmowy między dwiema postaciami ilość zjedzonego cheeseburgera wzrasta i maleje w całej scenie. Mówimy od jednego kęsa do prawie zjedzenia burgera i z powrotem.
Innym doskonałym przykładem czegoś zauważalnego może być postać paląca papierosa. Rozpoczyna się rozmowa, a postać zapala papierosa i pali papierosa przez cały czas trwania rozmowy. Scena kończy się, gdy postać gasi papierosa w popielniczce.
Załóżmy, że reżyser kazał aktorowi zagrać scenę 10 razy. Teraz w ciągu 10-krotnego sfilmowania tej sceny wypaliliby więcej niż jednego papierosa. Musisz więc wybierać ujęcia (miejmy nadzieję, że są to dobre i przydatne ujęcia), które mają sens sekwencyjnie, biorąc pod uwagę, jak długo papieros będzie się palił przez całą rozmowę.
- 7 typowych (i możliwych do uniknięcia) błędów ciągłości
W zasadzie otrzymujesz to, co otrzymujesz w materiale filmowym. Ale tego typu ciągłość można kontrolować tylko z punktu widzenia redaktora. Jak więc jako redaktorzy możemy zapewnić spójną ciągłość w innych obszarach?
Różne typy ciągłości
Różne rodzaje cięcia, które możesz wykonać, sprawiają radość. Oprócz fizycznych rekwizytów, dekoracji scenograficznej, fryzur i makijażu oraz garderoby istnieją inne, bardziej techniczne rodzaje ciągłości. Elementy te obejmują linię oczu, dopasowanie cięć do ruchu i zmiany scenerii. Chronisz także publiczność przed dezorientacją z powodu złamania zasad 30 i 180 stopni.
- Zrozumienie (i czasami ignorowanie) zasady 180 stopni
To wszystko, w czym możesz pomóc podczas swojej edycji. Istnieje kilka różnych sposobów przejścia z jednej sceny do drugiej, np. zanikanie lub zanikanie.
Cięcia i ruchy
Jednak zgodnie z Teorią ruchomego obrazu:względy ekologiczne autorstwa J. D. Andersona i B. F. Andersona:„około 95% granic edycyjnych to cięcia, co stanowi połączenie dwóch klatek kamery”. Zatem najprostsza forma cięcia jest najważniejszym i najskuteczniejszym sposobem opowiedzenia swojej historii.
Ograniczenie akcji i ruchu oznacza przejście od jednego strzału do następnego, gdy postać wykona jakąś akcję.
Załóżmy, że mężczyzna podchodzi do samochodu i wyciąga rękę, aby sięgnąć do klamki drzwi. W momencie, gdy jego dłoń dotyka klamki drzwi, kadrujesz bliższe ujęcie jego ręki otwierającej drzwi, zamiast ciąć pośrodku jego otwierającego drzwi tylko po to, by uchwycić go siedzącego w samochodzie.
Aby uzyskać więcej informacji na temat różnych rodzajów cięć, które możesz dodać do swojego repertuaru, zapoznaj się z naszym tutorialem na temat dziewięciu podstawowych cięć, które każdy redaktor powinien znać poniżej!
Dopasowanie linii oczu
Dopasowanie linii oczu ma kluczowe znaczenie, ponieważ w sposób niewerbalny sygnalizuje, że dwie postacie prowadzą rozmowę.
Oznacza to, że jeśli dołączysz ujęcie postaci wyglądającej poza ekranem i w prawo, aby zachować spójną ciągłość, będziesz musiał przejść do drugiej postaci patrzącej poza ekranem, ale w lewo (z powrotem do pierwszego znaku).
Ta ciągłość przestrzenna jest być może jedną z najważniejszych i najważniejszych zasad tworzenia filmów. Dzięki temu wszystko wydaje się naturalne dla naszych oczu.
Zasady 30 i 180 stopni
Mówiąc o orientacji, weźmy zasady 30 i 180 stopni, które mówią, że kamera nigdy nie powinna przekraczać niewidzialnej linii 180 stopni podczas filmowania sceny. Dzięki temu widzowie zrozumieją, gdzie znajdują się bohaterowie względem siebie i otaczającego ich środowiska.
Przejście do następnego ujęcia, które jest krótsze niż 30 stopni lub ponad 180 stopni, zdezorientuje widza i będzie sprawiało wrażenie, że jest nie tak. Dobry wizualny przykład tego, o czym mówimy, pochodzi z Film Riot, z doskonałym kątem z góry na dół, aby dokładnie pokazać, jak przestrzegać zasady.
Jak podejść do edycji
Najprostsza forma montażu ciągłego opiera się na założeniu, że widz musi zobaczyć, co dzieje się w scenie, począwszy od wyraźnego, sekwencyjnego przejścia od ujęcia do ujęcia. Nie należy ich mylić co do podstawowych ruchów, linii i położenia przestrzennego postaci.
- Jak zapewnić ciągłość podczas korzystania ze zbiorów filmów
Montaż to jeden z najprzyjemniejszych typów scen do edycji. Najprawdopodobniej otrzymasz mnóstwo materiału filmowego przedstawiającego postępy postaci w sposób, który ma wyglądać, jakby zajmował dużo czasu lub dział się szybko. Może to oznaczać, że edytujesz montaż dziecka przygotowującego się do szkoły lub uczącego się grać w koszykówkę w ciągu roku szkolnego.
Edytując scenę, upewnij się, że ujęcia przebiegają zgodnie z potrzebną osią czasu. Nie przechodź od strzału jesienią do strzału w lecie i powrotu do strzału zimą. Mimo że montaż wydaje się być wszędzie, widzowie potrzebują tej ciągłości, aby uwierzyć w historię.
Co to jest edycja nieciągłości?
Ale brak ciągłości nie zawsze jest czymś złym. Na przykład retrospekcje są bardzo skutecznym sposobem poprowadzenia narracji do przodu poprzez wyjaśnienie, co się obecnie dzieje, poprzez spojrzenie na postacie z przeszłości.
Jeśli chodzi o edycję, pamiętaj o tym, do czego wycinasz. Na przykład wytnij ujęcie przedstawiające lokalizację lub miejsce, które daje widzom bezpośredni kontekst przed przystąpieniem do rozmowy lub działania. Przejdź do obiektów i lokalizacji z przeszłości, a następnie przejdź do początku sceny.
Ustalanie ujęć i B-roll jest najlepszym przyjacielem redaktora. Nigdy nie traktuj ich jako coś oczywistego!
Brak ciągłości może być także mistrzowskim sposobem na wprowadzenie odbiorców w błąd. Takie podejście może się przydać, jeśli postać jest zdezorientowana, zdezorientowana lub wymyka się spod kontroli.
Szybkie cofanie się w czasie i przestrzeni to świetny sposób na pokazanie chaosu w sposób, który nie odciąga widza od opowieści. Właściwie bardzo dobrze służy to historii, zwłaszcza jeśli zakończysz tę sekwencję w sposób, który ponownie skupi widza, na przykład ujęcie wprowadzające lub wycięcie na czarny ekran.
Czy zauważyłeś, że ciągle pojawiają się strzały ustanawiające? Są doskonałym sposobem na zresetowanie lub ponowne uziemienie wszystkiego.
Opanowanie sztuki montażu równoległego
Edycja równoległa polega na jednoczesnym przechodzeniu pomiędzy dwiema postaciami lub lokalizacjami. To świetny sposób na pokazanie akcji rozgrywającej się w świecie filmu, który oglądają Twoi widzowie. Daje to również widzom kontekst dotyczący tego, gdzie i co robią inne postacie w stosunku do siebie.
Podejmując decyzje redakcyjne przy tego rodzaju podejściu, pamiętaj, aby zawsze podać kontekst „nowej” sceny, aby widzowie dokładnie wiedzieli, czyją narrację oglądają.
Inną formą ciągłości jest znalezienie spójnego przebiegu edycji. Na przykład nigdy nie chcesz, aby widz został wyrzucony z historii z powodu niespójnego cięcia. Jeśli zostawisz ujęcie postaci wypowiadającej zdanie, przejdź do postaci przeciwnej, aby pokazać, jak reaguje na to, co zostało powiedziane.
Gdy już dojdziesz do tej reakcji, daj widzom czas na zrozumienie tego, co jest przekazywane, czy to niewerbalnie, czy za pomocą słów. Nie ograniczaj się zbyt szybko do mówienia postaci.
Najlepszym sposobem, aby upewnić się, że wybierzesz odpowiedni moment, jest edycja sceny i obejrzenie jej z perspektywy obiektywnego widza. Jeśli szukasz doskonałego przykładu tego, czego nie, obejrzyj poniższy film zrobić.
Co to jest edycja nakładająca się?
Ten styl montażu ciągłości, używany głównie w scenach akcji, podkreśla określony moment lub akcję. Śledzi rozgrywającą się akcję, a następnie natychmiast przenosi tę samą akcję pod inny kąt.
Wygląda na to, że byłoby to dziwne i odrażające wizualnie. Ale kiedy wrzuci się go w scenę z dużym wysiłkiem, ma to sens. Możesz nawet nie zdawać sobie sprawy, że widziałeś tę samą akcję dwa razy.
Ta scena pościgu z Mission Impossible 2 jest doskonałym przykładem tego typu edycji.
Podsumowując
Edycja ciągła polega bardziej na wyczuciu i intuicji niż na kalkulacji i precyzji. Sceny, które montujesz, muszą przebiegać w sposób, który ma sens w kontekście historii i utrzymuje zaangażowanie widzów, ale ich nie zniechęca.
Niezależnie od tego, czy chodzi o upewnienie się, że bohaterowie są zwróceni we właściwym kierunku pomiędzy ujęciami, czy o przerwaniu akcji, montaż odgrywa kluczową rolę w spójnym opowiadaniu historii.
Pamiętaj, że jak w przypadku każdego aspektu tworzenia filmu, czasami jest to wysiłek grupowy, który wymaga zewnętrznych opinii i głosów, które pomogą Ci dotrzeć do mety. Czasami druga para oczu to najlepsza pomoc, jaką możesz otrzymać jako montażysta wideo.
Zdjęcie na okładce:Fabio Pagani .
Więcej technik edycji znajdziesz na poniższej liście:
- Efekt Kuleszowa i jego wpływ na emocje widza
- 8 niezbędnych cięć, które powinien znać każdy redaktor
- Twój przewodnik po pracy z plikami projektu w DaVinci Resolve
- Wskazówki dotyczące montażu serialu animowanego z Felipe Salazarem z Big Mouth