Za każdym razem, gdy kierujesz aparat, dokonujesz wyborów:jaka część sceny ma zostać uwzględniona; używanie nieruchomego ujęcia lub ruchu obejmującego panoramowanie, przelatywanie, śledzenie lub powiększanie; kąt i pozycja; długość.
To te same decyzje, które zajmują umysły i czas filmowców, takich jak Francis Coppola, Martin Scorsese i Akira Kurosawa. Wybór kompozycji, bardziej niż cokolwiek innego, określa, jaki będzie Twój film.
Na początku
Za każdym razem, gdy wprowadzane jest nowe ustawienie, należy zapewnić widzowi szerokie ujęcie które pochłania tyle, ile to możliwe. To pierwsze spojrzenie to ujęcie wprowadzające.
Większość filmów i programów telewizyjnych szybko ustala scenerię, charakter i fabułę. Casablanca rozpoczyna się serią złowróżbnie opowiedzianych scen, które umieszczają miasto pod względem geograficznym, politycznym i duchowym. Sekwencja przechodzi od ogólnych do szczegółowych, zaczynając od ujęcia obracającej się kuli ziemskiej, a kończąc na zbliżeniu właściciela kawiarni na emigracji, Ricka.
Każdy odcinek wideo noir serial telewizyjny Hill Street Blues Zaczęło się od porannej odprawy na komisariacie, która ustaliła nadchodzącą godzinę. Napisy wstępne zakończyły się klasycznie prostym ujęciem przedstawiającym rozpadający się ceglany gmach Hill Street Station.
W Dotyku Zła Orson Welles rozpoczyna się genialnym sześciominutowym ujęciem śledzącym, które śledzi miasto rozciągające się na granicy amerykańsko-meksykańskiej, śledząc zarówno głównych bohaterów, jak i samochód wypełniony materiałami wybuchowymi, na których toczy się akcja. Ujęcie, scena i sekwencja kończą się nagłym ognistym zniszczeniem.
Producenci wideo, którzy otwierają ujęcie wprowadzające, zapewniają widzom kontekst dla akcji, którą zobaczą. Pokaż całe ustawienie, nawet jeśli tylko pokój lub jego część.
Oczywiście, jak w przypadku wszystkich konwencji, granie przeciwko tej jest czasem interesujące. W niebieskim aksamicie David Lynch zaczyna od takich dziwactw, jak chrząszcze wijące się pod ziemią, gryzące wodę psy i odcięte ucho.
Czasem opłaca się chwilowo zdezorientować, a nawet wprowadzić widza w błąd. Zacznij od ujęcia złotej obrączki na dłoni mężczyzny, a następnie cofnij się, by odkryć martwego żołnierza leżącego w błotnistym okopie.
Zdobądź zbliżenie
Po utworzeniu sceny większość filmowców przechodzi na średnie ujęcia i zbliżenia . Tradycyjna progresja jest długa, średnia do zamkniętej. Najczęstsze ujęcia ludzi to średnie ujęcia z oprawioną klatką piersiową na wysokość.
Nie ma absolutnych zasad. Wielcy reżyserzy wybierają swoje ujęcia kierując się instynktem estetycznym. Powinieneś nauczyć się robić to samo.
Początkujący filmowcy są często jak pierwsi filmowcy – mają tendencję do włączania szeroko kamery i pozostawiania jej włączonej. To pionierski reżyser D.W Griffith w końcu przeciwstawił się tej konwencji, wypełniając filmy takie jak Narodziny narodu i nietolerancja z zbliżeniami, które zachwyciły wczesną publiczność kinową.
Mistrzowie filmowania Orson Welles i Akira Kurosawa idą o krok dalej, używając ekstremalnych zbliżeń nawet w ujęciach akcji. Zobacz kulminacyjną bitwę w Krzywach o północy Wellesa i sekwencja „Blizzard” w Dreams Kurosawy
Aby uzyskać ekstremalne zbliżenie, wypełnij kadr twarzą, odcinając czubek głowy i ramiona. Ponownie, twoje oczy będą znajdować się w jednej trzeciej drogi od góry ekranu.
Zbliżenia i ekstremalne zbliżenia również mogą być fascynujące podczas ekspozycji na ludziach. Martin Scorsese zwykle używa ekstremalnych zbliżeń takich obiektów, jak buty miażdżące tlące się niedopałki papierosów (Lekcje życia) , kule bilardowe i kije (Kolor pieniędzy) , dym i krew (Wściekły byk).
Zasada trzecia
Zasada trójpodziału to klasyczna zasada kompozycji stosowana przez malarzy, fotografów i innych artystów wizualnych. Stwierdza, że centrum zainteresowania powinno znajdować się w jednej trzeciej drogi w kadrze.
Graficznie ramka obrazu jest podzielona poziomo i pionowo na trzy części. Główny obiekt powinien znajdować się w miejscu przecięcia dwóch linii lub w jednej trzeciej odległości od krawędzi kadru.
Jeśli osoba patrzy w aparat, głowa fotografowanej osoby powinna być wyśrodkowana lub nieco przesunięta pośrodku. Jeśli podmiot patrzy na inną osobę, miejsce lub rzecz, wskaż przedmiot spojrzenia, pozostawiając więcej miejsca w kierunku, w którym patrzy podmiot. Termin ten to pokój rozmów przestrzeń do rozmów, lub spójrz na spację
Kadrując dwie osoby, ustaw je po przekątnej. To umieszcza je razem w ramie i tworzy zrównoważoną kompozycję.
Na zdjęciu grupowym nie ustawiaj ludzi w kolejce, tak jakbyś chciał zrobić staromodny nieruchomy portret. Umieść je wszystkie w kadrze, ale pogrupuj je w naturalny sposób. Zestawienie odwraca wzrok od kadru, podczas gdy bardziej naturalne grupowanie sprawia, że oko krąży po obrazie.
Zrównoważony kontrast
Producent wideo poszukujący dobrej kompozycji będzie dążył do uporządkowanego ujęcia. Ptak lecący na tle błękitnego nieba jest zarówno piękny, jak i prosty.
Mając więcej niż jedną osobę lub przedmiot w kadrze, producent powinien szukać równowagi. Główny obiekt wygląda najlepiej zbalansowany przez mniejszy obiekt z boku. Rozmiar, kontrast i kolor powinny być zawsze zrównoważone.
Ciekawą techniką kompozycyjną jest kadrowanie wnętrz, komponowanie ujęcia tak, aby centrum zainteresowania było otoczone czymś w obrębie gałęzi drzewa sceny, poręczy ogrodzenia, łuku, lustra.
Gdy piosenkarz wchodzi na scenę w Diva jest cięcie na skrajne zbliżenie męskich okularów przeciwsłonecznych, które odzwierciedla pełny widok jej kroczącej na środek sceny. Taki strzał jest mocny i sprytny, ale zauważalny. Tego rodzaju sztuczki stracą swój wpływ, jeśli zostaną nadużywane.
Mistrzem bardziej subtelnej oprawy wnętrz jest Orson Welles. Na początku Obywatel Kane Młody Charles Foster Kane jest widziany przez okno, bawiąc się swoimi saniami na śniegu, podczas gdy w domu i w kadrze jego matka, ojczym i bankier określają jego przyszłość.
Wiodące linie to kolejna technika kompozycyjna, która kieruje oko widza w centrum zainteresowania. Fotografując zabytkowy budynek z wijącą się do niego utwardzoną drogą, kręć z jednej strony tak, aby droga przechodziła przez ramę do budynku. Droga jest oczywistą linią wiodącą, ale poszukaj innych, które możesz ustawić tak, aby wydawały się wskazywać na temat.
Naucz się zauważać wszystko w kadrze. Załóżmy, że nagrywasz wywiad z obiektem ładnie wyważonym w kadrze. Niestety, przeoczysz roślinę w tle, która wygląda, jakby wyrastała z głowy rozmówcy, oraz linię na ścianie, która zdaje się przechodzić jednym uchem, a drugim.
Aby uniknąć takich niezręcznych i niepotrzebnych kompozycji, zachowaj taką samą ostrożność, jak przy tworzeniu nieruchomej fotografii. Wyeliminuj rozpraszające przedmioty. Zmień układ. Załóż własne tło.
Uważaj na ekstremalny kontrast. Osoba ubrana na czarno siedząca przed białą ścianą może wydawać się zbyt ciemna. Ogólnie rzecz biorąc, badani powinni nosić średnie odcienie i jednolite bez pasków lub małych wzorów. Niebieski to dobry kolor wideo. Bądź świadomy kontrastów między odcieniami skóry, ubiorem i tłem.
W górę, w dół, na boki
Ciekawe efekty uzyskuje się podczas fotografowania pod dużym lub niskim kątem.
Jeśli chcesz podkreślić wielkość i znaczenie obiektu, rób zdjęcia pod małym kątem. W Wojowniku szos reżyser George Miller chciał, aby twardy, zaradny ocalały z postapokaliptycznych bitew o paliwo był mitycznym bohaterem. W ten sposób Miller nakręcił Mad Maxa pod małym kątem.
Ujęcia z niskiego kąta dają widzom wrażenie, że oglądają ludzi i wydarzenia większe niż życie. Bardzo niski kąt daje osobie lub przedmiotowi większą moc. Sokół maltański Johna Hustona ma niezapomniane ujęcie górzystego Sydney Greenstreet z niskiego kąta, gdy przekomarza się z detektywem Samem Spade'em na temat zaginionego mitycznego reliktu.
Matewan Johna Saylesa zawiera scenę, w której organizator związku w końcu pozyskuje na swoją stronę niezadowolonych górników. Sayles celowo zdecydował się nie strzelać z niskiego kąta; zrobienie tego namalowałoby związkowca jako bohatera, podczas gdy Sayles chciał przedstawić go po prostu jako członka grupy.
Ujęcie pod dużym kątem oznacza nieistotność i bezsilność. W Wszystkich prezydentów kamera przesuwa się pod bardzo wysokim kątem z sufitu Biblioteki Kongresu, ukazując dwóch reporterów ponuro przedzierających się przez stosy kuponów kasowych i pokazujących nudę i nudę ich pozornie mizernych wysiłków zmierzających do obalenia administracji przepełnionej przestępcami.
Zdjęcie wykonane z dźwigu pod bardzo dużym kątem może ujawnić ogrom sceny. W Przeminęło z wiatrem Strzał z dźwigu Victora Fleminga cofa się, by pokazać Scarlett O’Hara potykającą się między rzędami rannych i umierających żołnierzy Konfederacji leżących na rozbitej stacji kolejowej.
Oczywiście strzelanie z bardziej standardowego poziomu oczu też jest w porządku. Przekonanie Howarda Hawksa, że tworzenie historii było najważniejszym zadaniem reżysera, skłoniło go do częstego umieszczania kamery bezpośrednio na wysokości oczu; w ten sposób widz mógł postrzegać film jako widza. Jastrzębie Jego dziewczyna w piątek to film nakręcony prawie wyłącznie na wysokości oczu.
Nie ograniczaj się tylko do kątów pionowych. W pierwszych ujęciach Bagdad Cafe para niemieckich turystów, którzy zatrzymali się na pustyni Mojave, aby załatwić sobie sprawę, postanawia rozejść się. Scena została nakręcona kamerą przechyloną pod kątem w prawo i w lewo, co ilustruje dysharmonię między mężczyzną a żoną.
W na wschód od Edenu Martin Pitt nagle przechyla się i rytmicznie macha kamerą, by odzwierciedlić gniewne, złowrogie pragnienie Caleba, by zniszczyć jego brata i ojca. Spike Lee używa także przechylonej kamery w Zrób właściwą rzecz , film o konflikcie etnicznym w Nowym Jorku.
Długie i szybko
Długość strzału zależy od jego rodzaju. Wcięcie może trwać trzy sekundy, panoramowanie 10 sekund, a ujęcie akcji znacznie dłużej. Średni czas nagrania filmu i telewizji to 10 sekund.
Istnieją dwa podstawowe style edycji, misc-en-scene i montaż. Oba są terminami francuskimi. Mise-en-scene oznacza kierowanie akcji w scenerii; montaż tłumaczy się jako montaż. W języku angielskim możemy zdefiniować te terminy jako długie ujęcie i cięcie.
W długim ujęciu aparat pozostaje nieruchomy i pozwala, by akcja rozgrywała się w kadrze. Ponieważ seria akcji występuje w jednej klatce, musi być wystarczająca głębia ostrości, aby wszystko było ostre. Obywatel Kane, uważany przez niektórych krytyków za najwyższy wyraz techniki filmowej, zawiera całe sceny ujęte w jednym ujęciu.
Styl montażu, obejmujący wiele szybkich cięć, został opracowany i udoskonalony przez rosyjskiego reżysera Siergieja Eisensteina w takich filmach jak Dziesięć dni, które wstrząsnęły światem i Potemkin.
W filmach Alfreda Hitchcocka często twórczo wykorzystuje się montaż. Niesławna scena pod prysznicem w Pycho zawiera 78 cięć w 45 sekund. Tylne okno zawiera pełną napięcia sekwencję, w której Jimmy Stewart przykuty do wózka inwalidzkiego obserwuje, jak Grace Kelly plącze mieszkanie podejrzanego o mordercę Raymonda Burra, gdy sam Burr zbliża się do jego domu. Ta sekwencja trwa cztery minuty i składa się z 61 cięć.
W dobrych sekwencjach montażowych zestawienie ujęć wywołuje u widza efekt, którego szuka reżyser:horror w Psycho suspens w tylnej szybie
Szybkie, brutalne cięcia Sama Peckinpaha w filmach takich jak Dzika banda i Krzyż Żelazny zwiększyć trzewną identyfikację widza z rozdartymi i umierającymi mężczyznami. Dzięki zastosowaniu montażu Eisensteina udało się zawiesić prawa czasu i grawitacji.
Dobrzy reżyserzy czują się komfortowo w obu stylach. Filmy, które skutecznie wykorzystują zarówno montaż, jak i długie ujęcia, to między innymi Czarny ogier Carrolla Ballarda i Czas apokalipsy Francisa Coppoli.
Dobrzy reżyserzy są też najczęściej oszczędni. Nie ma nadmiaru materiału filmowego; każde ujęcie jest tak długie, jak to konieczne i ważne dla fabuły. Mniejsze prace są naznaczone rażącymi pościgami samochodowymi, bójkami, bezsensownymi dialogami, zbędnymi scenami seksu.
Strzelaj do końca, a następnie tnij.
W domu i na wyjeździe
przekrój to ujęcie czegoś innego niż główna akcja, ale z nią związanego. Podczas robienia pikniku rodzinnego ujęcie paradujących mrówek posłużyłoby jako wycinek.
Każda scena daje możliwości na cutaway. Wcięcie dodaje zainteresowania i szczegółów i jest przydatne podczas edycji, aby zakryć edycję, w której akcja nie pasuje.
przerywnik, jak wcięcie, to krótkie zbliżenie osoby lub przedmiotu z dala od głównej akcji. Różnica polega na tym, że wcięcie jest częścią akcji, podczas gdy wcięcie nie jest.
Załóżmy, że fotografujesz osobę formującą rzeźbę. Zrób zbliżenie dłoni i obiektu podczas nagrywania głównej akcji lub jako osobne ujęcie do późniejszej edycji. Dzięki przerywnikom zapewniasz widzom bliższe spojrzenie na centrum zainteresowania.
Wcinane ujęcia urozmaicają i są pomocne podczas montażu. Podczas skracania sceny można użyć wycięcia. Wcięcie w zbliżeniu może pokryć niezręczną edycję między dwoma podobnymi ujęciami.
Ujęcie z ostrością na stojaku , czasami nazywane pull focus, to ujęcie z dwoma obiektami w kadrze w różnych odległościach od aparatu. Skup się najpierw na jednym, a następnie zmień skupienie na drugi obiekt. To przenosi uwagę z jednego tematu na inny.
Ostrość w szafie działa tylko podczas fotografowania z małą głębią ostrości. Fotografuj z obiektywem w pozycji teleobiektywu i używaj niskiej przysłony. Powinna istnieć znaczna różnica odległości między tymi dwoma obiektami.
Innym sposobem na zwrócenie uwagi widza na temat jest użycie patelni, panoramowanie tak szybko, jak to możliwe, do obiektu. Ćwicz z wyprzedzeniem, aby temat był dobrze sformułowany. Aby ujęcie było skuteczne, panoramowanie powinno być wykonywane tak szybko, że obrazy są rozmyte.
Carroll Ballard skutecznie używa huśtającej patelni, gdy młody Alec spada z tonącego liniowca w Czarnym ogierze. Cmentarz szuka złota w Dobrych, złych i brzydkich zawiera rozszerzoną patelnię.
Swish pan może być również używany jako przejście między scenami. Załóżmy na przykład, że kręcisz wycieczkę krajoznawczą po mieście. Swish patelnie jako przejścia między lokalizacjami zapewniłyby poczucie zmiany bez ostateczności wyblaknięcia.
Niewinny
Podobnie jak w powieści lub opowiadaniu, film lub program telewizyjny ma punkt widzenia. Często jest to ściśle obiektywna, wszechwiedząca perspektywa, w której kamera obserwuje akcję jako neutralny obserwator.
Dokument Errola Morrisa Cienka niebieska linia składa się prawie w całości z wywiadów z osobami zamieszanymi w sprawę morderstwa. Morris dramatyzuje różne wersje morderstwa, przedstawiając kilka różnych sposobów potraktowania tych samych wydarzeń. Nie przyjmuje żadnego kinowego punktu widzenia, chociaż dla widzów pod koniec filmu jest oczywiste, że oskarżony jest niewinny.
Raszonzan Kurosawy wykorzystuje tę samą technikę, dostarczając trzy różne wersje rzekomego ataku i gwałtu na kobiecie. Pod koniec jego filmu nic nie jest oczywiste.
Reżyser może również wybrać punkt widzenia postaci, pokazując częste zbliżenia, po których następują ujęcia z perspektywy postaci. Znaczna część Chinatown Romana Polańskiego jest kręcony w ten sposób. W ten sposób reżyser buduje empatię dla bohaterów; publiczność identyfikuje się z osobami przedstawiającymi punkt widzenia.
W Psycho Hitchcock przekazuje nam punkt widzenia Janet Leigh, budując dla niej sympatię. Kiedy ją następnie zabija, myli nas i czyni nas podatnymi na inne niespodzianki. Publiczność tamtych czasów nie była rozbawiona.
Większość filmów łączy zarówno wszechwiedzący, jak i osobisty punkt widzenia, czasami oferując perspektywę więcej niż jednej postaci.
Jestem kamerą
Zwykle celem operatora kamery jest wykonywanie ruchów kamery, które są niewidoczne dla widza – gładkie, stabilne i odpowiednie.
Jest jednak jeden przypadek, w którym operatorzy chcą celowo, aby ich ruchy były oczywiste. Technika ta, nazywana kamerą subiektywną, ma na celu przekonanie widza, że kamera jest osobą. Chodzi na kołysaniu, podnosi lub opuszcza głowę, przechylając się, obserwuje scenę przez panoramowanie i traci przytomność, tracąc ostrość lub obracając się.
Dama w jeziorze został nakręcony w całości z subiektywnego punktu widzenia. Kamera reprezentowała głównego bohatera przez cały film. Publiczność nigdy go nie widzi, a jedynie reakcje na niego:na przykład kobieta pochylająca się w kierunku obiektywu po pocałunek. Efekt jest bardzo dziwny.
Ciemne przejście początkowo używa tej samej techniki, zanim główny bohater przejdzie operację plastyczną, aby stać się Humphreyem Bogartem.
Długa, subiektywna sekwencja kamery jest używana w Robocop, gdy policjant zostaje przekształcony w robota. Widzimy ludzi patrzących w obiektyw, jakby patrzyli mu w twarz. Ta sekwencja wprowadza nas w to, co w dalszej części filmu staje się ważną kwestią:chociaż mężczyzna nie żyje, przemieniony w maszynę, jego emocjonalne wspomnienia pozostają.
Większość filmów oszczędnie wykorzystuje subiektywną kamerę zmieszaną z innymi punktami widzenia. Stanley Kubrick skutecznie wykorzystuje subiektywną kamerę do kluczowych momentów podróży astronauty w 2001:Odyseja kosmiczna. W Opowieść bożonarodzeniową subiektywna kamera dramatyzuje przerażające oczekiwania małego Ralphiego, gdy wspina się po długiej rampie prowadzącej do wyczerpanego, cynicznego Mikołaja w domu towarowym.
Zanikanie
Przejścia to wizualna interpunkcja, sposób na przejście od ujęcia do ujęcia. Podstawowe przejścia to cięcie, rozpuszczanie, i zanikanie . Najczęściej stosuje się cięcie, w którym jeden strzał się kończy, a następny zaczyna się bez nakładania się.
Rozpuszczanie ma miejsce, gdy dwa strzały nakładają się, jeden zanika, gdy drugi zanika. Rozpuszczenia są często używane do wskazywania skoków w wapnie i miejscu. W Szklanej Menażerii rozpuszcza się i rozproszone oświetlenie służy do odróżnienia monologów o przeszłości od udramatyzowanych wspomnień.
Robert Altman stanął przed podobnym wyzwaniem w Powrót do 5 i Dime, Jimmy Dean, Jimmy Dean, gdzie akcja odcina się od teraźniejszości do 20 lat w przeszłości. Altman odbił wcześniejsze sceny w dużym lustrze i rozpłynął się w nich.
Utalentowany reżyser może również użyć rozwiązania, aby wskazać wspólne cechy. Dotyk zła zawiera piękny przykład rozpuszczenia, który nie tylko wskazuje na skok w przestrzeni, ale także podkreśla podobny emocjonalny zamęt dwóch pozornie odmiennych postaci.
W przypadku zanikania obraz przechodzi z lub do czerni, wskazując określony początek lub koniec. Zanikanie oznacza ostateczność i najlepiej nadaje się do zakończenia sekwencji. Czas apokalipsy jest o połowę zmniejszony przez niezwykle długi czas zanikania. Film śledzi nagłe, przypadkowe zabójstwo ciężko rannej Wietnamki przez Willarda i daje nam czas na rozważenie naszej nagle zmienionej opinii na temat jego postaci.
Po wytarciu jeden obraz wydaje się wypychać inny z ekranu. Chusteczki nie zawsze są boczne; mogą zaczynać się od góry, dołu, rogu lub środka ramki. Wytarcie jest mniej ostateczne niż zanikanie i jest odpowiednie dla serii ujęć, które nie pokazują ciągłej akcji, ale są w jakiś sposób powiązane.
W siedmiu samurajach Kurosawa używa chusteczek, gdy samuraje rekrutują innych wojowników. Ujęcia mają podobną kompozycję, ale akcja nie dzieje się w tym samym czasie ani miejscu.
Pieśń o strzelaninie
Melodia powstaje z relacji poszczególnych nut. Podobnie znaczenie filmu lub programu telewizyjnego wynika z relacji ujęć.
Relacja między serią ujęć tworzy sekwencję. Scena pod prysznicem w Psycho jest częścią sekwencji, która zaczyna się od Normana Batesa zaglądającego przez wizjer w swoim gabinecie, a kończy na zatopieniu wyładowanego ciała samochodem na bagnach.
Podczas kręcenia sekwencji spróbuj zbudować historię. Na najprostszym poziomie historia ma początek, środek i koniec. Staje się bardziej interesujące, jeśli konflikt zostanie wprowadzony i rozwiązany.
W sekwencji pokazującej, jak dzieci dekorują choinkę, zacznij od kilku pierwszych ozdób znajdujących się na choince. Strzelaj do dzieci, dodając więcej na środku i zakończ gwiazdką umieszczoną z zawijasem na górze. Tam stworzyłeś historię. Jeśli dziecko zdejmie ozdoby tak szybko, jak zakładają je starsze dzieci, masz konflikt i potencjalne źródło humoru.
Podczas kręcenia sekwencji najpierw wybierz punkt widzenia. Następnie zacznij od ugruntowania. Zadbaj o krótkie ujęcia, nie dłużej niż widzowie uchwycą akcję. Zmieniaj odległości i kąty ujęć. Używaj średnich ujęć i zbliżeń. Unikaj używania zoomu; skoncentruj się na serii pojedynczych strzałów.
Wymienione tutaj techniki to te, które profesjonaliści spędzają całe życie na próbach doskonalenia. Nie oczekuj, że je opanujesz podczas następnej sesji.
Ale wypróbuj go następnym razem i próbuj dalej, dopóki nie zrobisz tego dobrze. Kiedy opanujesz tę technikę, wypróbuj inną. Tak trzymać. Wkrótce będziesz kręcić jak zawodowiec.