Filmowanie z ręki:5 technik wciągającego opowiadania historii

Filmowanie z ręki to doskonały sposób na tworzenie materiałów, które sprawiają wrażenie żywych. Stabilizowany gimbal lub dron zapewniają płynny materiał filmowy i wrażenie unoszenia się w powietrzu. Jednak naturalna tekstura filmowania z ręki może naprawdę zanurzyć widza w historii. Podejście przenośne wykorzystuje poczucie Twojej fizycznej obecności jako kinowe narzędzie do opowiadania historii, sugerując, że jesteś właśnie tam.

Należy pamiętać, że ten artykuł uzupełnia nasze dwa istniejące artykuły na temat ruchów filmowych i wskazówek dotyczących kinematografii z dronów filmowych. Koniecznie obejrzyj je wraz z materiałem filmowym, bo być może zechcesz połączyć te techniki w swoim następnym filmie.

Wymaganie:fizyczny „tryb kinowy”

Zanim przejdziemy do czynności wykonywanych ręcznie, nauczmy się trzymać aparat, aby uzyskać najlepsze efekty w kinowym opowiadaniu historii. Aby zmniejszyć czas reakcji i zapobiec nagłemu uruchomieniu lub nagłemu zatrzymaniu, operator ręczny musi ustawić fizyczny tryb kinowy . 

Fizyczny tryb kinowy można uzyskać dzięki tak zwanemu Spacerowi Ninja . Lubię o tym myśleć jak o Podstępnym Spacerze. Obejmuje to utrzymywanie lekko ugiętych kolan podczas chodzenia od pięty do palców, aby złagodzić pionowe odbicie materiału filmowego. Aby jeszcze bardziej ustabilizować ramę, trzymaj aparat w dłoniach i mocno wsuń łokcie w żebra lub oprzyj zestaw kamery o klatkę piersiową. Powoduje to powolne, stopniowe przyspieszanie i hamowanie przy minimalnych drganiach podczas strzałów, jak pokazano w poniższym przykładzie. 

Przejdźmy więc do omówienia moich pięciu najlepszych sposobów na ręczne opowiadanie historii w kinie i tego, dlaczego działają. 

1:Subtelne wciśnięcie (budowa emocjonalna) 

W tym ruchu kamera powoli, subtelnym ruchem, powoli zbliża się do obiektu. Jest podobny do Dolly Push na suwaku.

Dlaczego to posunięcie działa: To wciśnięcie buduje napięcie lub łączy widza z sytuacją lub obiektem poprzez fizyczne wychylanie kamery na scenę, tworząc poczucie oczekiwania. 

Wykonanie:  

• Wykadruj ujęcie i ustaw ostrość aparatu na obiekcie.
• Przenieś ciężar ciała z tylnej stopy na przednią stopę jednym powolnym, ciągłym ruchem, aby wykonać tę kompilację; nie idź, to tylko jeden krok. Poruszaj się tam i z powrotem, aż zrobisz to dobrze. Nie zwracaj uwagi na nikogo, kto uważa twoje ruchy za zabawne! 

Wskazówki: W przypadku scen szerokokątnych można to osiągnąć, umieszczając coś w polu widzenia peryferyjnego, na przykład rozmyty pierwszy plan lub obiekt po obu stronach ujęcia. 

• Użyj częstotliwości klatek na sekundę, np. 50 lub 60 kl./s, a podczas montażu zwolnij materiał do 25 kl./s.
• W razie potrzeby ustabilizuj materiał podczas montażu. Na przykład w programie Adobe Premiere Pro można użyć narzędzia Stabilizator wypaczenia, aby materiał filmowy wyglądał bardziej kinowo i płynnie. 
• W przypadku pompek sięgających ponad dwie stopy wykonaj spacer ninja lub użyj suwaka lub gimbala.

2:Podążanie za cieniem (towarzyszenie)

Podążając za obiektem za pomocą ręcznej kamery, ten ruch pomaga przenieść widzów w nowe miejsce lub ustalić perspektywę naocznego świadka. Nieręczną alternatywą dla tej techniki jest użycie gimbala w celu stworzenia stabilizowanego podążania, czyli płynniejszego mechanicznego ujęcia podążającego.

Dlaczego to posunięcie działa: Sprawia, że widz czuje się raczej jak towarzysz podróży, a nie odległy obserwator.

Wykonanie:

• Korzystaj ze spaceru ninja, aby zachować stałą odległość za obiektem.
• Utrzymuj stabilizację ciała, aby uniknąć nagłych startów i zatrzymań.

Wskazówki dla profesjonalistów: Głównym celem jest stworzenie niestabilnego ruchu ręki, a nie stabilności. Pozwól swojemu ciału robić to naturalnie, a nie dłoniom. W naszym przykładzie powyżej pani wchodzi do swojego studia. Chcemy delikatnego tagowania, które sugeruje, że ktoś podąża, ale gdyby był to policjant wpadający, żeby kogoś złapać, moglibyśmy potrzebować nieco bardziej drżącego materiału.

• Rób zdjęcia z częstotliwością klatek na sekundę, np. 25 kl./s. Chcemy naturalnego rozmycia ruchu. 
• W przypadku zdjęć akcji zwiększ czas otwarcia migawki i zapomnij o zasadzie migawki 180 stopni. Na przykład w przypadku zdjęcia z szybkością 25 klatek na sekundę czas otwarcia migawki powinien idealnie wynosić 1/50 sekundy, aby zapewnić naturalne rozmycie ruchu, ale podczas kręcenia sceny akcji możemy potrzebować trochę nierównego materiału i mniejszego rozmycia ruchu.

3:Statyka oddychania (żywa rama)

To mój absolutnie ulubiony ruch aparatu ręcznego. Jest łatwy w wykonaniu i zapewnia najbardziej autentyczne, realistyczne wrażenie oglądania filmu. Podstawową ideą jest utrzymanie statycznej kompozycji, pozwalając jednocześnie, aby drobne, organiczne ruchy ciała napełniły kadr subtelnym, ciągłym poczuciem życia.

Dlaczego to posunięcie działa : Idealnie nieruchome zdjęcie ze statywu może czasami sprawiać wrażenie martwego lub klinicznego; subtelne kołysanie się statycznego ujęcia z ręki sprawia, że widz ma wrażenie, że stoi tuż obok ciebie.

Wykonanie:

• Trzymaj aparat jak najbliżej ciała; nie musisz jednak być ninja, wystarczy przypadkowy obserwator. 
• Zamiast pozostawać w całkowitym bezruchu, skup się na powolnych, głębokich oddechach i pozwól, aby kamera poruszała się lekko w Twoim naturalnym rytmie. Lekki ruch w lewo lub w prawo podczas podążania za np. rękami fotografowanej osoby jest również dobry i sprawia, że ​​zdjęcie jest bardziej dynamiczne. 

Wskazówki dla profesjonalistów: Nie bój się używać go do tworzenia filmów dokumentalnych i scenariuszy ucieczki, ale pamiętaj, że w filmach krótkometrażowych jest miejsce również na ruchy gimbala i suwaka. 

• Użyj częstotliwości klatek na przykład 25 klatek na sekundę, aby uzyskać naturalne rozmycie ruchu. 
• Podczas wywiadów czasami używam ręcznego aparatu, szczególnie w ciasnych przestrzeniach i scenach ulicznych. 

4:Subtelne wycofanie (odłączenie)

Jest to przeciwieństwo wciskania. Celem jest powolne cofanie aparatu, aby ukazać sytuację lub coś znacznie większego. Ten ruch jest nieco podobny do Dronie i zaczyna się od intymności, a następnie cofa się, aby odsłonić skalę otoczenia.

Dlaczego to posunięcie działa: Ten ruch jest często używany na końcu sceny, aby wywołać poczucie opuszczenia, samotności lub zakończenia myśli.

W poniższych przykładach obiekt spogląda na aparat na kilka sekund, po czym aparat cofa się w zwolnionym tempie. Poza tym, chociaż końcowa scena grafiki i babeczka wyglądają gładko, podczas montażu zostały ustabilizowane, spowolnione i wykonane poprzez cofanie się.

Wykonanie:

• Zacznij od aparatu blisko twarzy fotografowanej osoby lub centralnego szczegółu.
• W przypadku krótszych ruchów przenieś ciężar ciała z przedniej stopy na tylną i powtarzaj, aż wykonasz właściwy strzał.
• W przypadku dłuższych wycofań powoli cofnij się, utrzymując stabilizację ciała, aż obiekt zmniejszy się, a krajobraz zajmie kadr. 

Wskazówki dla profesjonalistów: Zatrzymaj się na dwie sekundy przed rozpoczęciem ruchu, aby najpierw nawiązać więź emocjonalną z obiektem.

• Użyj szybkości klatek na przykład 50 lub 60 klatek na sekundę i zwolnij ją podczas edycji.
• W razie potrzeby ustabilizuj materiał podczas montażu.
• W przypadku odciągów przekraczających kilka stóp należy rozważyć metody inne niż ręczne, takie jak użycie slidera lub gimbala.
• Dla bezpieczeństwa zawsze wiedz, co jest za tobą i poproś kogoś, aby mocno trzymał cię za ramię i poprowadził, jeśli teren jest niebezpieczny.  

5:Pan odkrywczy (Przemiatanie horyzontu)

Podobnie jak w przypadku delikatnego wsuwania i cofania, w przypadku Discovery Pan przesuwasz aparat w lewo lub w prawo, aby osiągnąć ten ruch. Ten ruch jest podobny do pokazywania suwaka w urządzeniach innych niż ręczne.

Dlaczego to posunięcie działa: Przesuwanie aparatu z jednego punktu w lewo lub w prawo pomaga ujawnić sytuację, miejsce lub obiekt. 

Wykonanie:

Mówiąc najprościej, jest to wykrok w bok. 

• Uruchom „fizyczny tryb filmowy”, mocno opierając łokcie o żebra lub opierając aparat o klatkę piersiową.
• Zamiast poruszać nadgarstkami lub ramionami, musisz postawić jedną stopę w miejscu, w którym chcesz zacząć, a drugą w miejscu, w którym chcesz zakończyć.
• Przenieś ciężar ze stopy początkowej na stopę końcową, przenosząc równowagę z jednej strony na drugą. 

Wskazówki dla profesjonalistów: W przypadku szerszych scen można to osiągnąć, włączając element pola widzenia peryferyjnego, na przykład rozmyty pierwszy plan lub obiekt zakrywający główny obiekt, który następnie zostanie ujawniony podczas przesuwania.

• Wstępnie skoncentruj się na obiekcie.
• Użyj częstotliwości klatek na sekundę, np. 50 lub 60 kl./s, a podczas montażu zwolnij materiał do 25 kl./s.
• W razie potrzeby ustabilizuj materiał podczas montażu. 

6:Dodatkowe wskazówki dotyczące opowiadania historii w kinie

• Złam zalecenie, aby poruszać się powoli i zamiast tego postaw na prędkość
• Eksperymentuj z szybkimi wpychaniami i wypychaniami
• Przesuń w górę lub w dół
• Wypróbuj ręczne orbitowanie wokół obiektu
• Celowe unikanie stabilizowania materiału
• Spróbuj połączyć te ruchy:na przykład wykonaj szybkie wsuwanie i wyciąganie, gdy obiekt jest w ruchu (wiele przykładów w filmie na końcu)  

Kluczem jest kreatywność i wypracowanie unikalnego, spersonalizowanego stylu, ponieważ tak naprawdę nie ma ustalonych zasad.

Twoje zadanie i uwagi końcowe

Chociaż istnieje wiele innych ręcznych mechanizmów, nie wszystkie wymagają konkretnych nazw lub wyjaśnień. Twoim zadaniem jako filmowca jest wizualizacja i wykonanie ruchu kamery w sposób, który intuicyjnie uznasz za niezbędny dla danej sceny. 

Obejrzyj ten film, który zawiera mieszankę ujęć, w tym ujęcia z gimbala, drona i materiału z ręki, ale głównie z ręki. Oglądając go, spróbuj zidentyfikować różne zastosowane techniki. Ważne jest, aby zrozumieć, że sztuka kręcenia filmów to połączenie różnych technik filmowania, wspieranych oświetleniem, efektownymi ścieżkami muzycznymi i skomplikowanym projektem dźwiękowym. Osiągnięcie wciągających wrażeń dla widza i skutecznego kinowego opowiadania historii wymaga czasu i płynnej integracji wszystkich tych elementów.