Narracja filmowa jest jedną z najwspanialszych i najpotężniejszych form sztuki, jakie kiedykolwiek wymyślono, i wciąż jest stosunkowo nowa. I chociaż szybko się rozwijał, wiele elementów składających się na udany film narracyjny istniało od samego początku. Wystarczy spojrzeć na arcydzieło Fritza Langa z 1927 roku, Metropolis zobaczyć, jak zaawansowana była produkcja filmowa zaledwie dwadzieścia lat po tym, jak pierwsze filmy krótkometrażowe Edisona eksperymentowały z ruchomymi obrazami. Dzieje się tak dlatego, że filmowanie było naturalnym przedłużeniem innych sztuk, które istniały od tysięcy lat i było w stanie szybko przetrawić i wykorzystać pracę wykonaną przez powieściopisarzy, dramaturgów i malarzy oraz czerpać z tej istniejącej wiedzy i przekształcać ją w nieco inny kierunek.
Jakie czynniki należy wziąć pod uwagę przy wyborze ujęcia?
Filmy to tak naprawdę tylko seria nieruchomych obrazów pokazywanych jeden po drugim, a zasady dobrej kompozycji, które obowiązują we wszystkich innych mediach wizualnych, obowiązują również w przypadku produkcji filmowej i wideo. Ujęcie, które dobrze wygląda na ekranie, będzie również dobrze wyglądać w kadrze na ścianie w Twoim salonie — zupełnie niezależnie od innych aspektów filmu — możesz nagrywać najwspanialszy dźwięk na świecie za pomocą dziesięciu wysokiej klasy mikrofonów Shure , lub możesz kręcić niemy film, umieszczenie kamery liczy się samo i dodaje uczucia.
Narracja filmowa to jedna z najwspanialszych i najpotężniejszych form sztuki, jakie kiedykolwiek wymyślono.
Jednym z najbardziej atrakcyjnych wizualnie seriali, które pojawiły się ostatnio na ekranach telewizorów, jest oryginalny program Netflix „House of Cards” z Kevinem Spacey w roli wysokiego rangą, lojalnego i pracowitego kongresmena, który jest źle traktowany przez prezydenta, którego pomógł wybrać, i spędza dwa wspaniałe sezony żądając zawiłej zemsty. Jest kręcony aparatami cyfrowymi RED. House of Cards jest kręcony z niemal obsesyjną dbałością o symetrię. W świecie, w którym rządzi zasada trójpodziału, twórca serialu i reżyser David Fincher nie bał się raz po raz wsadzać swoich bohaterów w sam środek ujęcia, a rezultaty są piękne. Emocjonalnie i podświadomie mówią nam, że świat jest zrównoważony. Czy jest lepsze miejsce na zrobienie tego w serialu o rządzie skonstruowanym, by się równoważyć? Ale Fincher jest również w stanie zestawić te sceny spokojnej równowagi z innymi, które są obciążone jedną lub drugą stroną, a publiczność staje się podświadomie świadoma, że sprawy nie są tak stabilne, jak myśleliśmy. Więcej informacji o składzie znajdziesz w tym artykule.
Dlaczego używać wyczucia ciasnego strzału lub szerokiego strzału? Czy istnieje różnica emocjonalna?
To, jak blisko talent znajduje się w kadrze, daje nam poczucie, jak blisko są one z nami lub innymi rzeczami. Zostało to użyte spektakularnie w dramacie Roberta Bentona z 1979 roku o rozpadającej się rodzinie, Kramer kontra Kramer. 
Aktor Dustin Hoffman pcha swojego syna Billy'ego (w tej roli Justin Henry) na rowerze, gdy Billy odkrywa, jak to zrobić kamera cofa się, gdy Billy jedzie w kierunku publiczności, Hoffman staje się mniejszy w tle, zapowiadając, że Billy opuszcza ojca i dystans, który będzie między nimi. Tutaj to, co wydaje się prostym ujęciem — ojciec uczący syna jeździć na rowerze — jest owinięte warstwami metafory.
W jaki sposób przestrzeń, w której kręcisz, wpływa na odczucia widzów na dany temat?
Kiedy nauczysz się oświetlenia trzypunktowego, możesz poczuć chęć robienia zdjęć ludzi na szarym tle z naprawdę ładnym, miękkim oświetleniem studyjnym z zestawem wideobanków Arri. Otwarcie swojego tła i wypełnienie go informacjami na Twój temat może pomóc w stworzeniu nastroju na rozmowę kwalifikacyjną. Zastrzelenie naukowca w jego ponurym, oświetlonym fluorescencyjnie biurze może wydawać się ponurym błędem, gdy po raz pierwszy wejdziesz do pokoju, ponieważ oświetlenie, które jest funkcjonalne – jak świetlówka nad głową – niekoniecznie jest atrakcyjne. Ale tylko dlatego, że światła tam są, nie oznacza, że musisz ich używać. Wyłącz światła i sam oświetlić scenę. Spróbuj użyć małych, wąskich świateł, aby zaakcentować części tła. Nie bój się używać żeli, aby ubarwić ściany. Spraw, aby Twoje tło było interesujące, ale także pomóż opowiedzieć Twoją historię. Strzelasz do paleontologa? Czy potrafisz zmieścić szkielet dinozaura w tle? Strzelasz do skrzypka? Dasz radę to zrobić na scenie w sali koncertowej? Wszystkie te tła mają emocjonalny wpływ, który odczuje widz, nawet jeśli nie zdaje sobie z tego sprawy; subtelne wskazówki wypełnią się podczas opowiadania historii. Nawet puste przestrzenie w twojej ramie mogą nieść światy znaczeń.
Jak wybrać pomiędzy ujęciem pod niskim kątem, z poziomu oczu a ujęciem pod dużym kątem? Jak to wpływa na odbiorców?
To, skąd widzimy ludzi, ma duży wpływ na to, jak ich postrzegamy. Dzieje się tak częściowo dlatego, że wielu z nas jest przyzwyczajonych do patrzenia z góry na dzieci i dorosłych, ale także z powodu naturalnego zastraszenia, jakie odczuwamy przez rzeczy większe od nas – kościoły, gigantyczne statki, Godzilla itp.
Fotografowanie obiektu z niskiego kąta sprawia, że wygląda on potężny i onieśmielający, a fotografowanie obiektu pod dużym kątem sprawia, że wyglądać na małego i słabego.
Patrzenie na kogoś na poziomie oczu pokazuje, że jest równy. W „Powrocie Jedi”, kiedy Luke spotyka małego mistrza Jedi, Yodę, który ma dwie stopy wzrostu, zauważysz, że Luke siedzi na ziemi, kiedy się spotykają, więc wszystkie strzały są robione na poziomie oczu . W rzeczywistości Yoda, mimo że jest mały, jest bardzo świadomie filmowany głównie na poziomie oczu — ponieważ chociaż jest mały, jak mówi „Rozmiar nie ma znaczenia”.
Dlaczego warto używać ujęcia z ręki lub statycznego?
Czasami strzały się poruszają; czasami pozostają w bezruchu. Czasami podnosisz aparat i idziesz z nim. Wszystkie oznaczają różne rzeczy, a czasami chodzi o celowość. Ruchome ujęcia są prawie zawsze bardziej wciągające, chociaż możesz nawet nie zauważyć, że kamera się porusza. Reżyserzy i operatorzy z dużą ilością czasu i dużymi budżetami bardzo często używają dolly shota, jeśli mogą, zamiast serii statycznych ujęć. Czasami jednak ilość poruszania się i prędkość, z jaką musisz to zrobić, jest zbyt duża i musisz umieścić kamerę na osobie i Steadicam ją. Najbardziej oczywistym tego przykładem jest The West Wing, którego charakterystyczne ujęcia chodzenia i mówienia poruszają się przez ogromną rekonstrukcję Białego Domu z zawrotną prędkością, z ludźmi przychodzącymi i odchodzącymi, a węzeł rozmowy toczący się z pokoju do pokoju z prędkością byłoby to niemożliwe, gdybyś musiał ułożyć złożoną serię torów dolly.
Zdjęcia z ręki często nadają materiałom filmowym charakter dokumentu. Dają widzom poczucie, że materiał jest prawdziwy, a nie fikcyjna. To ingerencja w proces produkcji, która bardzo subtelnie przypomina widzowi, że ekipy filmowe robią filmy o rzeczywistych sytuacjach, a to, co oglądasz, może być jedną z nich. Używaj ujęć z ręki w sytuacjach, w których publiczność może rozsądnie pomyśleć, że może tam być ekipa filmowa:historie o politykach, muzykach lub sportowcach na boisku. Intymne chwile między bohaterami, bez uzasadnionych oczekiwań na obecność ekipy filmowej, lepiej sprawdziłyby się z kamerami stałopozycyjnymi.
Kiedy (jeśli w ogóle) należy powiększać lub pomniejszać?
Twój obiektyw może mieć zoom. Jest to bardzo wygodne do zmiany ogniskowych, ale po zbliżeniu lub pomniejszeniu bardzo często wygląda jak amatorski film domowy.
Dzisiejsi filmowcy oszczędnie używają zoomów. W rzadkich przypadkach, gdy widzisz szybki zoom w aparacie, często naśladuje on kamerzystę telewizyjnego:scena tłumu, huk, ktoś upada! Kamera przybliża się na dach, gdzie mroczna postać z bronią wstaje i zaczyna biec! To wrzuca nas do akcji, ale w większości przypadków, gdy chcesz zmienić ogniskowe, lepiej odciąć, powiększyć, a następnie cofnąć.
Jednym z godnych uwagi wyjątków jest powolny zoom. Jest to często używane i ze świetnym efektem, zwykle podczas monologów, w których jedna postać mówi, a kamera niemal niezauważalnie zbliża się do nich, przyciągając widza bliżej.
Zobacz ten artykuł, aby uzyskać wgląd w typowe błędy popełniane przez początkujących na wideo.
Wniosek
Wszystkie ujęcia, które wybierzesz do swojego filmu, powinny służyć zwiększeniu skuteczności opowiadania. Pojedyncze ujęcia mogą tworzyć, wzmacniać i utrzymywać nastrój. Dobrzy reżyserzy i reżyserzy zdjęć mają emocjonalne uzasadnienie dla każdego ustawienia kamery.
Twoim zadaniem, jeśli zdecydujesz się to zaakceptować, jest zwracanie uwagi na następujące rzeczy podczas oglądania telewizji lub filmów:
- Powolne przybliżanie — gdy jedna postać mówi, wybierz punkt na ścianie, roślinę doniczkową, włącznik światła i obserwuj, czy kamera porusza się powoli.
- Oświetlenie dialogów — zwróć szczególną uwagę na tło.
- Ruch kamery — czy kamera jest nieruchoma? Poruszający? Czy jest podręczny? Dlaczego?
- Rozwiąż swoje wnętrzności — Sprawdź, co myślisz o ujęciach, które widzisz na ekranie. Nie bój się wciskać pauzy i przewijania do tyłu. Jakie jest uzasadnienie strzałów? W jaki sposób zwiększają ogólną atrakcyjność tego, co oglądasz?
Każdy dzień twojego życia to dzień, w którym uczysz się więcej o swoim rzemiośle. Mądrze wykorzystuj swój czas, studiuj mistrzów i stale się doskonal.
Kyle Cassidy mieszka z żoną Trillian, trzema kotami i wieloma kartami pamięci. Często pisze o technologii i od czasu do czasu słynie z pracy za darmo.