i. Rozważania przed shoot (najlepiej, rozważyłbyś je, gdy * strzelanie * dla tego stylu):
* Konfiguracja oświetlenia:
* Pojedyncze źródło światła: To jest kluczowe. Rembrandt często używał pojedynczego okna lub rozproszonego źródła światła ustawionego wysoko i z boku obiektu. Do dyfuzji możesz użyć softboxa lub parasola.
* Pozycja światła klucza: Ustaw kluczowe światło, aby stworzyć charakterystyczny „trójkąt Rembrandt” światła na policzku podmiotu najdalej od źródła światła. Światło powinno rzucić cień z nosa łączącego się z policzkiem, pozostawiając mały trójkąt światła pod okiem.
* tło: Użyj ciemnego, neutralnego tła (czarnego, ciemnoszarego lub ciemnobrązowego), aby dalej podkreślić temat.
* Pozycjonowanie tematu: Podejmij podmiot w kierunku źródła światła. Eksperymentuj z przechylami głowy i odwraca się, aby zobaczyć, jak spada światło.
* Wardrobe: Wybierz ciemną odzież lub stonowane kolory, aby uzupełnić nastrój.
ii. Regulacja Lightroom:
Zakłada się, że masz dobrze ujawnione zdjęcie odpowiednie dla tego stylu. Don't expect miracles if your image is already bright and airy!
a. Panel podstawowy:
1. Profil:
* Zacznij od wybrania profilu aparatu, który lubisz. Kolor Adobe jest dobrym punktem wyjścia dla wielu zdjęć, ale eksperymentuj z innymi. Niektóre niestandardowe profile są zaprojektowane do naśladowania określonych zapasów filmowych i mogą być dobrym punktem wyjścia.
2. Biała równowaga:
* Ogólnie rzecz biorąc, zachowaj neutralny lub lekko ciepły (dodaj odrobinę żółtego/pomarańczowego), aby wywołać klasyczny charakter olejny. W razie potrzeby użyj narzędzia kroplowania wzroku na neutralnym obszarze skóry.
* temp: Dostosuj temperaturę kolorów na podstawie preferencji, zwykle w kierunku cieplejszej strony, między 5000-6000 K.
* tint: Dostosuj suwak odcienia, aby naprawić każdą nienaturalną odlew zieloną lub magenta.
3. Ekspozycja:
* Znacząco zmniejsz ekspozycję: To kamień węgielny ciemnego i nastrojowego wyglądu. Zacznij od zmniejszenia go o 1 do -2 stopnie, a nawet więcej w zależności od oryginalnego obrazu. Celem jest tworzenie głębokich cieni.
4. Contrast:
* Zwiększ kontrast: Dodaj kontrast, aby pogłębić cienie i spraw, aby wyświetlane atrakcje lekko się popłynęły. Wartość między +20 a +40 jest dobrym punktem wyjścia.
5. Podprawy:
* Zmniejsz podświetlenia: Odciągnij najważniejsze informacje, aby odzyskać szczegóły w jaśniejszych obszarach i zapobiec ich wysadzeniu. Eksperymentuj z wartościami od -30 a -70.
6. Shadows:
* lekko unieś cienie (lub zostawić w spokoju): Rozważ subtelne podnoszenie cieni * tylko wtedy, gdy * szczegóły są całkowicie zagubione w ciemności. Be very cautious; Zbyt dużo podnoszenia zrujnuje nastrój. Często preferowane jest pozostawienie ich ciemności. Wartość od 0 do +20 może być odpowiednia.
7. białe:
* nieznacznie zmniejsz białe: Podobnie jak najważniejsze informacje, zapobiega to wysadzeniu obszarów. Nieco zmniejsz, aby utrzymać bilans tonalny.
8. Czarni:
* Dalej zmniejszyć czarne: To pogłębi cienie i poprawi ogólną ciemność. Cel dla wartości od -30 do -70. Jest to często najważniejszy suwak do osiągnięcia mrocznego i nastrojowego efektu.
9. Clarity:
* Zwiększ klarowność (subtelnie): Niewielki wzrost przejrzystości może dodać tekstury i szczegółów, ale uważaj, aby jej nie przesadzić. Wartość między +5 a +15 może działać dobrze. Zbyt duża przejrzystość może sprawić, że obraz wyglądał surowo.
10. Vibrance/Nasycenie:
* Nieco zmniejsz wibrację: To nieco rozsyci obraz, przyczyniając się do bardziej wyciszonego i antycznego wyczucia. Wartość od -5 do -20 jest dobrym punktem wyjścia. Zastanów się nad pozostawieniem nasycenia w spokoju lub nieco regulacji w dół.
b. Krzywa tonowa:
1. Krzywa punktowa: Krzywa tonu jest twoim najpotężniejszym narzędziem do dopracowywania kontrastu i ogólnej tonacji.
* Subtelne S-Curve: Utwórz subtelną kustkę S, przeciągając punkt w prawej górnej części wykresu lekko w górę (aby rozjaśnić podświetlenia) i punkt w lewej dolnej części nieco w dół (do ciemnienia cieni). To dodaje więcej kontrastu.
* Matte Look (opcjonalnie): Aby stworzyć bardziej matowe wykończenie, lekko podnieś czarny punkt, przeciągając nieco lewy dolny punkt w górę. To zmiękczy cienie.
c. HSL/Kolor Panel:
1. hue: W razie potrzeby dokonaj drobnych regulacji odcienia określonych kolorów, aby poprawić lub skorygować odcienie skóry.
2. Nasycenie: Dostosuj nasycenie określonych kolorów, zwłaszcza odcieni skóry. Możesz nieznacznie zmniejszyć nasycenie czerwonych i pomarańczy, aby uniknąć zbyt żywych skóry.
3. Luminance: Dostosuj luminancję poszczególnych kolorów, aby kontrolować ich jasność. Może to być przydatne do subtelnego kształtowania światła na twarzy. Na przykład zmniejszenie luminancji czerwonych może przyciemnić usta.
d. Panel detali:
1. Wyostrzenie: Zastosuj wyostrzenie, aby zwiększyć szczegóły, ale zachowaj ostrożność, aby nie przemyśleć, co może wprowadzić hałas. Użyj suwaka maskującego, aby ukierunkować tylko najostrzejsze krawędzie.
2. Redukcja szumu: W razie potrzeby zastosuj redukcję szumów, aby zmniejszyć niechciane ziarno, szczególnie w cieniu.
e. Panel efektów:
1. winieta:
* Dodaj ciemną winietę: To przyciąga oko widza w kierunku środka obrazu i dodatkowo poprawia ciemny i nastrojowy charakter. Użyj kwoty ujemnej (np. -10 do -40, w zależności od obrazu). Dostosuj punkt środkowy i pióro, aby stworzyć subtelny i naturalny efekt.
2. ziarno (opcjonalnie): Dodanie subtelnej ilości ziarna może naśladować teksturę folii i dodać charakter, ale użyj go oszczędnie.
f. Panel kalibracji:
1. Eksperyment: This is an advanced panel. Spróbuj dostosować czerwone, zielone i niebieskie suwaki pierwotne, aby subtelnie przesunąć ogólną równowagę kolorów. Małe zmiany tutaj mogą mieć duży wpływ.
iii. Lokalne korekty (kluczowe dla stylu Rembrandta):
* pędzel regulacyjny lub filtry promieniowe: Są one niezbędne do dopracowania światła i cienia:
* Dodge and Burn: Użyj szczotki regulacyjnej, aby selektywnie rozjaśnić (Dodge) i przyciemnić (spal) określone obszary twarzy. Na przykład:
* Dodge: Lekko rozjaśnij trójkąt światła Rembrandt na policzek.
* Burn: Zaciemnij cień twarzy, pogłębiając cienie pod oczami, wzdłuż linii szczęki i wokół nosa.
* Filtr radialny: Utwórz filtr promieniowy wyśrodkowany na twarzy i nieznacznie zwiększ ekspozycję i kontrast, aby zwrócić uwagę na temat.
* ciemne tło: Jeśli tło nie jest wystarczająco ciemne, użyj pędzla regulacyjnego lub filtra promieniowego, aby jeszcze bardziej przyciemnić.
iv. Ustawienia eksportu:
* Format pliku: JPEG jest dobrym formatem ogólnego przeznaczenia. TIFF jest lepszy do celów archiwalnych lub dalszej edycji.
* Kolor Space: SRGB jest standardem do użytku internetowego.
* Rozdzielczość: 300 DPI do wydruku, 72 DPI dla sieci.
* Jakość: 80-90% to dobra równowaga między jakością a wielkością pliku dla JPEG.
ogólne wskazówki i rozważania:
* Zacznij od dobrego obrazu: Lightroom nie może naprawić źle oświetlonego lub skomponowanego zdjęcia.
* subtelność jest kluczowa: Unikaj nadmiernej edycji. Celem jest ulepszenie istniejącego światła i cienia, a nie stworzenie całkowicie sztucznego efektu.
* Use Presets as a Starting Point (But Don't Rely on Them): Wyszukaj wstępne ustawienia Lightroom zaprojektowane dla ciemnych i nastrojowych portretów lub stylów Rembrandt. Mogą one stanowić podstawę do własnych korekt.
* Histogram: Zwróć uwagę na histogram, aby uniknąć przycinania pasemek lub cieni.
* eksperyment: Każdy obraz jest inny. Nie bój się eksperymentować z różnymi ustawieniami, dopóki nie osiągniesz pożądanego wyglądu.
* Odwołania obrazy Rembrandt: Przestudiuj portrety Rembrandta, aby zrozumieć, w jaki sposób używał światła i cienia, aby stworzyć swój charakterystyczny styl. Zwróć uwagę na umieszczenie źródła światła, kształt cieni i ogólny nastrój obrazów.
* tony skóry: Bądź bardzo ostrożny z odcieniami skóry. Mroczne i nastrojowe nie oznacza niezdrowego wyglądu. Uważaj na nienaturalne odlewy pomarańczowe lub żółte.
Podążając za tymi krokami i ćwicząc, możesz stworzyć oszałamiające ciemne i nastrojowe portrety w stylu Rembrandt w Lightroom. Pamiętaj, aby być cierpliwym, eksperymentować i rozwijać własny unikalny styl. Powodzenia!