i. Przygotowanie i strzelanie:
* oświetlenie jest kluczem (najlepiej):
* Pojedyncze źródło światła: Cechą cech oświetlenia Rembrandta jest silne, pojedyncze źródło światła ustawione po jednej stronie i nieco powyżej obiektu. To tworzy dramatyczne cienie. Naturalne światło z okna działa pięknie.
* miękkie światło: Rozprowadź źródło światła (za pomocą softbox, dyfuzora lub scrim), aby tworzyć miękkie gradienty w cieniu. Ostre światło tworzy zbyt ostre linie.
* kąt: Eksperymentuj z kątem światła. Celem jest stworzenie małego trójkąta światła na policzku najdalej od źródła światła („trójkąt Rembrandt”). Zbyt wysoko i to się nie utworzy. Zbyt niski i zmywa policzek.
* tło: Ciemne tło zwiększy nastrój. Użyj ciemnej ściany, materiału lub po prostu przesuń poddany wystarczająco daleko od tła, że wpada w cień.
* Temat i skład:
* Intensywny wygląd: Zachęcaj do przemyślanego, introspektywnego wyrażenia swojego tematu.
* Kompozycja: Klasyczne kompozycje portretowe często działają dobrze. Rozważ ciasną uprawę lub pozwalając na więcej miejsca wokół tematu w zależności od historii, którą chcesz opowiedzieć.
* strzelaj w surowym: Jest to * niezbędne * dla maksymalnej elastyczności w Lightroom.
ii. Korekty Lightroom (opracuj moduł):
1. Import i początkowa ocena:
* Zaimportuj surowy obraz do Lightroom.
* Poświęć chwilę, aby ocenić punkt wyjścia. Zwróć uwagę na obszary, które są dobrze oświetlone, obszary, które są w cieniu, i ogólna równowaga kolorów.
2. Podstawowe korekty panelu:
* Korekta profilu: Zgodnie z panelem „Korekty soczewek” włącz „Usuń aberrację chromatyczną” i „Włącz korektę profilu” w razie potrzeby. To poprawi wszelkie zniekształcenie soczewki lub aberracja chromatyczna.
* bilans biały (wb): Dostosuj równowagę białą, aby uzyskać neutralny odcień skóry. Użyj „narzędzia Eyedropper” na neutralnym obszarze (np. Białych oczu) lub użyj ustawień, takich jak „jako strzał”, „światło dzienne” lub „pochmurne”. Dostosuj suwaki „Temp” i „Tint”, aż odcień skóry będzie wyglądać naturalnie.
* Ekspozycja: Zacznij od zmniejszenia ekspozycji. Celem jest stworzenie ciemniejszego, bardziej dramatycznego obrazu. Zwykle będziesz chciał być po stronie niedoświetlonej. Celuj w poziomie, na którym zachowują się najważniejsze informacje, ale cienie zaczynają się pogłębiać.
* kontrast: Zwiększ kontrast, aby zwiększyć rozdział między atrakcjami od cieni. Uważaj, aby go nie przesadzić, ponieważ może to prowadzić do przycinania (utrata szczegółów w wyznaczaniach i cieniach).
* Podprawy: Zmniejsz atrakcje. To odzyskuje szczegóły w najjaśniejszych obszarach obrazu i uniemożliwia im wysadzenie.
* Shadows: Nieco zwiększ cienie, aby ujawnić pewne szczegóły w ciemniejszych obszarach. Nie chcesz czystego czarnego cieni; Chcesz zachować informacje. Ten krok jest subtelny.
* białe: Ostrożnie dostosuj suwak białych. Mały guz może dodać blasku do najważniejszych atrakcji, ale zbyt wiele doprowadzi do przycinania.
* czarne: Opuść suwak Blacks, aby pogłębić cienie i stworzyć bardziej dramatyczny wygląd. Uważaj na błotniste cienie i odpowiednio dostosuj.
* Clarity: Eksperymentuj z suwakiem jasności. Niewielki wzrost może dodać definicję i ostrość, ale zbyt wiele może stworzyć nienaturalny, chrupiący wygląd. Aby uzyskać bardziej malarz, możesz nawet * nieco zmniejszyć * jasność.
* dehaze: Użyj Dehaze oszczędnie. Niewielki wzrost może zwiększyć kontrast i zmniejszyć atmosferyczne zamglenie. Jednak nadużywanie może sprawić, że obraz będzie wyglądał sztucznie.
3. Korekty krzywej tonu :
* Krzywa tonu ma kluczowe znaczenie dla osiągnięcia konkretnego kontrastu i nastroju, który chcesz.
* s-curve: Subtelny S-Curve na ogół zwiększy kontrast. Zakotwicz środek krzywej, aby zachować wartości w średnim tonie.
* CHAROW Control: Możesz dalej przyciemnić cienie, ściągając dno krzywej.
* Kontrola podświetlenia: Możesz udoskonalić atrakcje, ściągając górną część krzywej.
* Indywidualne korekty kanału: W celu kontroli zaawansowanej eksperymentuj z czerwonymi, zielonymi i niebieskimi kanałami krzywej tonu. Może to subtelnie przesunąć równowagę kolorów w określonych zakresach tonalnych.
4. HSL/Kolorowe regulacje panelu:
* hue: Subtelne korekty odcienia mogą udoskonalić równowagę kolorów określonych tonów. Na przykład możesz nieznacznie przesunąć odcienie skóry w kierunku cieplejszego lub chłodniejszego.
* Nasycenie: Lekko desaturuj kolory, aby stworzyć bardziej wyciszony, ponadczasowy charakter. Zwróć uwagę na odcienie skóry - zbyt duże nasycenie może wyglądać nienaturalnie.
* Luminance: Suwak luminancji kontroluje jasność określonych kolorów. Zaciemnij luminancję bluesa i zieleni w tle, aby je wycofały. Możesz lekko rozjaśnić luminancję pomarańczy/żółci, aby wydobyć odcienie skóry.
5. Dostosowanie panelu szczegółowego:
* wyostrzenie: Zastosuj umiarkowaną ilość wyostrzenia, aby zwiększyć szczegóły. Użyj suwaka „maskującego”, aby zapobiec wyostrzeniu w obszarach o gładkich gradientach (takich jak skóra). Trzymanie Alt/Option podczas regulacji suwaka maskującego pokaże ci wyostrzane obszary.
* Redukcja szumu: W razie potrzeby zastosuj redukcję szumów, aby zmniejszyć szum cyfrowy na obrazie. Uważaj, aby nie nadmiernie zgasić skórę, ponieważ może to sprawić, że będzie wyglądać nienaturalnie.
6. REGULACJE LOKOWE (Filtr stopniowany, filtr promieniowy, pędzel regulacyjny):
* Filtr dyplomowy: Użyj filtra stopniowego, aby przyciemnić górną lub boki obrazu, tworząc efekt winiet i przyciągając oko widza do obiektu.
* Filtr radialny: Użyj filtra promieniowego, aby selektywnie rozjaśnić lub przyciemnić określone obszary. Na przykład możesz stworzyć subtelny efekt reflektorów na twarzy pacjenta. Pijanie jest kluczem do tego, aby wyglądał naturalny.
* pędzel regulacyjny: Szczotka regulacyjna oferuje najdokładniejszą kontrolę. Użyj go do unikania (rozjaśniania) lub spalania określonych obszarów, udoskonalania odcieni skóry lub dodaj subtelne regulacje kolorów. Możesz rozjaśnić „trójkąt Rembrandt”, aby podkreślić.
7. Panel kalibracji: (Opcjonalnie, ale potężny)
* Ten panel umożliwia dostosowanie ogólnego renderowania kolorów obrazu.
* Eksperymentuj z suwakiem „cienia”, aby subtelnie przesunąć kolor cieni. Niewielkie pchanie w kierunku niebieskiego lub fioletu może zwiększyć głębokość i nastrój.
* Dostosuj czerwone, zielone i niebieskie podstawowe odcienie i nasycenia, aby udoskonalić ogólną paletę kolorów.
iii. Kluczowe rozważania i wskazówki:
* subtelność jest kluczowa: Obrazy Rembrandta nie są nadmiernie przetwarzane. Unikaj skrajności w regulacjach.
* tony skóry: Zwróć szczególną uwagę na odcienie skóry. Cel naturalny, zdrowy wygląd. Nie rób ich zbyt pomarańczowo lub bladym.
* Histogram: Monitoruj histogram w całym procesie, aby upewnić się, że nie przycinasz podświetleń ani cieni.
* przed i po: Regularnie porównaj wersje „przed” i „po”, aby śledzić swoje postępy i zidentyfikować obszary w celu poprawy.
* Presets: Chociaż można znaleźć wstępne ustawienia w stylu Rembrandt, rzadko są one rozwiązaniem jednego kliknięcia. Użyj ich jako punktu wyjścia i dostosuj je, aby pasowały do konkretnego obrazu.
* Ćwicz: Najlepszym sposobem opanowania tej techniki jest konsekwentne ćwiczenie i analiza wyników. Zapoznaj się z obrazami Rembrandta w celu uzyskania inspiracji.
* Unikaj nadmiernego wybuchu: Nadmierne wywarcie może zrujnować miękkie, malarskie odczucia, do których dążisz.
* Nie bój się eksperymentować: Są to wytyczne, a nie zasady. Eksperymentuj z różnymi ustawieniami i technikami, aby znaleźć to, co jest dla Ciebie najlepsze.
Przykładowe podsumowanie przepływu pracy:
1. Korekta soczewki .
2. Niższa ekspozycja i wyróżnienia.
3. Zwiększ kontrast.
4. subtelnie podnosza cienie, dolne białe i czarne.
5. Subtere S-Curve w krzywej tonowej.
6. lekko desaturuj w panelu HSL/Color.
7. wyostrzenie maskowaniem.
8. Lokalne korekty (filtry promieniowe/stopniowe) w celu przyciemnienia krawędzi i rozjaśniają twarz.
9. Dostosuj kolory w panelu kalibracji.
Starannie kontrolując światło, cienie i kolory na swoim obrazie, możesz stworzyć oszałamiający portret w stylu Rembrandta, który wywołuje poczucie dramatu, głębokości i ponadczasowego piękna. Powodzenia!