W fotografii istnieje kilka ważnych zasad kompozycji.
Kompozycja w fotografii dotyczy tego, co uwzględnić lub pominąć w kadrze. Chodzi również o to, jak zdecydujesz się umieścić elementy w scenie.
Zamiast myśleć o nich jako o „zasadach”, pomyśl o nich jako o wskazówkach, dzięki którym Twoje obrazy będą bardziej atrakcyjne wizualnie i interesujące.
1. Użyj zasady trójpodziału, aby zwiększyć zainteresowanie
Komponowanie przy użyciu zasady trójpodziału oznacza umieszczenie głównego obiektu w jednej trzeciej części obrazu. Umieszczenie tematu poza środkiem jest o wiele bardziej interesujące niż umieszczenie go w środku.
Wiele aparatów, w tym smartfony, może nałożyć na ekran siatkę reguły trójpodziału. Wygląda jak gra w kółko i krzyżyk. Dwie linie poziome i dwie linie pionowe dzielą ramkę na trzy części.
Fotografując, umieść główny obiekt na jednej z linii. Albo poziomo, albo pionowo.
„Punkty zderzenia” to miejsca, w których linie się przecinają. Jeśli możesz, umieść główny przedmiot w miejscu przecięcia linii.
2. Uprość scenę z regułą szans
Reguła szans to sposób na uproszczenie złożonej sceny z wieloma możliwymi tematami. Ogólnie rzecz biorąc, uważamy, że nieparzysta liczba przedmiotów jest bardziej interesująca niż liczba parzysta.
Trzy to magiczna liczba, ale pięć lub siedem też się sprawdzają.
Reguła szans pomaga nam w przemyślanym doborze tematów. Ta zasada wskazuje nam, co uwzględnić, a co pominąć.
Reguła szans przypomina nam również o odizolowaniu tematu w ruchliwej scenie. Jeden to liczba nieparzysta.
3. Skoncentruj się na swoim obiekcie, wypełniając ramkę
Wypełnianie kadru polega na zbliżeniu się do obiektu. Naprawdę blisko.
Postaraj się, aby główny temat był jasny i wyraźny. Zadaj sobie pytanie, ile naprawdę potrzebujesz nieba? Ile tła?
Możemy wypełnić kadr za pomocą obiektywu zmiennoogniskowego i zbliżyć się fotograficznie do naszego obiektu. Ale często lepiej „zoomować stopami”. Zbliż się fizycznie do obiektu.
Podczas przetwarzania końcowego rozważ mocniejsze przycięcie obiektu, aby wypełnić ramkę.
4. Wybierz odpowiednią głębię ostrości
Głębia ostrości decyduje o tym, jaka część obrazu powinna być wyostrzona. To nie tyle zasada, co decyzja kompozycyjna, którą musisz podjąć.
Płytka głębia ostrości oznacza, że tylko niewielka część obrazu jest ostra, zwykle obiekt. Tło jest rozmyte.
Głęboka głębia ostrości oznacza, że obraz jest ostry od przodu do tyłu.
Użyj płytkiej głębi ostrości, aby rozmyć rozpraszające tło. Fotografowie sportowi rozmywają tło, dzięki czemu sportowcy wyróżniają się z tłumu. Aby uzyskać małą głębię ostrości, użyj szerokiej przysłony, takiej jak f2.8.
Generalnie, do fotografowania krajobrazów używaj głębokiej głębi ostrości. Aby wyostrzyć całą scenę, użyj wąskiej przysłony, takiej jak f16.
5. Użyj najlepszej orientacji dla sceny
Orientacja i proporcje określają, jaka część sceny zostanie uchwycona na obrazie.
Orientacja odnosi się do tego, czy trzymasz aparat poziomo, czy pionowo. Współczynnik proporcji to rozmiar obrazu zrobionego przez kamerę.
Jeśli obraz ma dużo pionowych elementów lub wysokości, użyj orientacji pionowej. Trzymaj aparat pionowo.
Jeśli obraz ma dużo poziomych elementów lub szerokości, użyj orientacji poziomej. Trzymaj aparat poziomo.
Nie zapominaj, że masz opcję panoramy. Zwykle myślimy o panoramach jako długich, poziomych obrazach, ale mogą one być również pionowe.
Często robię zdjęcie w obie strony i później widzę, co mi się podoba. Często próbuję różnych proporcji i kadrów w przetwarzaniu końcowym.
6. Wyprostuj linie, aby uzyskać estetyczny obraz
Wyprostuj linie, które powinny być proste.
Nie wszystkie linie na obrazie muszą być proste, ale niektóre linie powinny być proste. Na przykład linia horyzontu w krajobrazie. Nachylenie horyzontu na obrazie jest natychmiast zauważalne i rozprasza.
Wiele aparatów i statywów zawiera poziomicę. Użyj tych narzędzi, aby pomóc w orientacji aparatu. Łatwo jest również poprawić przechyloną linię podczas przetwarzania końcowego.
Linie proste są również ważne w architekturze. Używanie obiektywu szerokokątnego często zniekształca linie. Zostaw miejsce po obu stronach budynku, aby móc wyprostować linie podczas przetwarzania końcowego.
Na obrazie z wieloma różnymi liniami wybierz jedną, na której się skupiasz. Wyrównaj tę linię, nawet jeśli inne są nieco oddalone.
7. Utwórz głębokość za pomocą linii wiodących
Nasze oczy w naturalny sposób podążają za liniami na obrazie. Linie wiodące kierują nasz wzrok na główny temat. Dobrze użyte, wiodące linie tworzą wrażenie głębi.
Linie mogą być rzeczywistymi liniami lub wynikać z elementów sceny.
Czasami linie są proste i prowadzą bezpośrednio do tematu. Innym razem podróż jest okrężna. Krzywe S są ulubieńcami fotografów.
Wiodące linie gdzieś prowadzą. Jeśli linia nigdzie nie prowadzi lub wyprowadza oko z kadru, zmień pozycję. Przesuń w lewo lub w prawo lub w górę lub w dół.
8. Użyj ukośnych linii, aby dodać energię
Ukośne linie dodają kompozycji fotografii zainteresowania i energii. Spróbuj sfotografować linie na mocnej przekątnej, a nie prosto w kadrze.
Upewnij się, że Twoja przekątna jest oczywista. Niewielkie przechylenie do linii wygląda jak błąd.
Zastanów się, gdzie przecinają się linie. Zbiegające się linie przyciągają wzrok. Zastanów się również, gdzie linie wchodzą lub opuszczają ramkę. Fotografowie czasami próbują wprowadzić lub opuścić linię w rogu.
9. Przyciągaj uwagę za pomocą światła
Nasze oczy w naturalny sposób kierują się na najjaśniejszą część obrazu. Wiedza o tym wpływa na to, jak komponujemy obraz. Główny obiekt powinien być najjaśniejszą częścią obrazu.
Fotografowie portretowi używają lampy błyskowej lub reflektorów, aby podkreślić twarze swoich modeli.
Podczas przetwarzania końcowego techniki takie jak unikanie i spalanie kierują wzrokiem. Unikanie polega na selektywnym rozjaśnianiu niektórych części obrazu. Nagrywanie polega na selektywnym przyciemnianiu niektórych części obrazu.
10. Użyj ujemnej przestrzeni wokół obiektów
Negatywna przestrzeń to wykorzystanie przestrzeni między obiektami lub wokół nich jako ważnego elementu obrazu. Negatywna przestrzeń staje się osobnym przedmiotem z własnym kształtem.
Negatywna przestrzeń może pokazywać skalę lub sugerować emocję taką jak „pustka”.
Czasami trudno jest dostrzec negatywną przestrzeń, ponieważ jesteśmy tak przyzwyczajeni do skupiania się na temacie. Spróbuj odwrócić obrazy do góry nogami podczas przetwarzania końcowego. Pomoże Ci to zobaczyć przestrzeń bez zbytniego skupiania się na szczegółach głównego tematu.
11. Zrównoważ obiekty pod kątem symetrii i równowagi wizualnej
Równowaga wizualna to relacja między dwoma lub więcej elementami w Twojej kompozycji. Elementy wyglądają na zrównoważone. Jeden nie jest wizualnie cięższy od drugiego.
Komponowanie symetrycznie tworzy równowagę wizualną. Lewa połowa obrazu pasuje do prawej lub górna połowa pasuje do dolnej. Odbicia na zdjęciach działają tak dobrze, ponieważ pokazują symetrię.
Nawet niesymetryczne obrazy wymagają równowagi wizualnej. Zrównoważ duży, wizualnie ciężki obiekt po jednej stronie kadru z wieloma mniejszymi obiektami po drugiej. Zrównoważ element pierwszego planu z elementem tła.
12. Zmień swoją perspektywę
Perspektywa dotyczy tego, gdzie jesteś w stosunku do przedmiotu. Zmiana perspektywy oznacza zejście nisko lub wzniesienie się wysoko.
Każdy widzi świat z mniej więcej tej samej perspektywy – na poziomie oczu. Możesz uatrakcyjnić obrazy, używając innej perspektywy.
Fotografowanie pod małym kątem sprawia, że obiekt wygląda na mocniejszy.
Fajnie jest też zmienić swoją perspektywę i wznieść się wysoko. To jeden z powodów, dla których fotografia dronowa jest tak interesująca. Rzadko widzimy nasz świat z lotu ptaka.
Korzystanie z niskiej perspektywy jest ważne podczas fotografowania obiektów znajdujących się blisko ziemi. To również ważne przy fotografowaniu dzieci. Zejdź na ich poziom oczu.
13. Podkreśl swój główny temat złotą regułą
Złota zasada polega na umieszczeniu głównego obiektu w ważnej części kadru. Ta zasada jest podobna do zasady trójpodziału. Ale Złota Reguła sugeruje inny układ elementów kompozycyjnych.
Złota Reguła opiera się na Złotym Raporcie. Złoty podział to naturalnie występujące zjawisko matematyczne. Świat przyrody faworyzuje stosunek 1 do 1,618. Matematycznie może to nic dla ciebie nie znaczyć, ale wizualnie widzisz to wszędzie. Najczęstszą wizualną reprezentacją Złotego Podziału są spirale muszli.
W fotografii Złota Zasada jest przedstawiana jako siatka lub spirala.
Niektóre aparaty pozwalają zobaczyć nakładkę Golden Ratio lub Golden Ratio w wizjerze. Lightroom ma również nakładki, które pomagają przycinać obrazy za pomocą złotej zasady.
14. Uchwyć ruch od lewej do prawej
Czytamy obrazy tak, jak czytamy tekst, od lewej do prawej. Ruch na fotografii powinien również przesuwać się od lewej do prawej w kadrze. Ta zasada kompozycji jest szczególnie ważna dla fotografów dzikiej przyrody i sportu/akcji.
Nie zawsze łatwo jest uchwycić ruch od lewej do prawej w prawdziwym świecie. Odwróć obraz w poziomie podczas przetwarzania końcowego, aby wykonać ruch od lewej do prawej. Często działa to tak długo, jak na obrazie nie ma tekstu.
Upewnij się, że zostawiłeś w kadrze miejsce na poruszanie się obiektu. Oznacza to pozostawienie miejsca po prawej stronie tematu. W przeciwnym razie wygląda na to, że obiekt wychodzi z kadru.
15. Włącz wzór i powtórzenia, aby uzyskać mocniejsze kompozycje
Nasze mózgi lubią wzory i powtórzenia. Nałożymy nawet wzory na losowe elementy. Pomyśl o zabawie, jaką sprawia nam znajdowanie wzorów w chmurach. Uwzględnienie powtórzeń i wzorów sprawia, że nasze kompozycje fotograficzne są mocniejsze i ciekawsze.
Powtórzenia i wzory często można znaleźć w kształtach i kolorze.
Być może będziesz musiał zmienić swoją perspektywę, aby pojawiły się wzory. Zwróć uwagę, jak zmiana perspektywy zmienia odstępy lub ukrywa wzór.
Dodanie kontrastu do powtórzeń sprawia, że Twoje zdjęcia są jeszcze bardziej dynamiczne. Elementem kontrastowym może być inny kolor, kształt lub wysokość. Rozbicie wzoru uwydatnia wzór.
16. Znajdź związek między elementami
Poszukaj interesujących relacji między elementami na obrazie.
Na przykład szukaj napięcia. Dwa elementy, które wydają się przyciągać do siebie, tworzą wizualne napięcie. Kolory kolidują lub występuje rozbieżność w rozmiarze.
Fotografowie uliczni często zestawiają ze sobą elementy. Coś w środowisku jest w konflikcie z ludźmi na ulicy. Może to wywołać humor lub zasugerować głębszy pomysł.
Teoria kolorów dotyczy relacji kolorów na Twoim obrazie. Teoria kolorów jest często przedstawiana jako koło kolorów. Kolory znajdujące się naprzeciwko siebie na kole uzupełniają się.
17. Uprość obrazy, aby uchwycić esencję
Upraszczanie oznacza umieszczanie na obrazie tylko tego, czego potrzebujesz. Wyjmij wszystko, czego nie potrzebujesz.
Uproszczenie obrazu nie oznacza tworzenia minimalistycznych obrazów. Prostota polega na wydestylowaniu idei fotografii do jej najczystszej formy.
Zdecyduj, o czym jest Twoje zdjęcie. Następnie usuń wszystko, co nie dotyczy tego pomysłu.
18. Narysuj oczy w kadrowaniu
W przypadku kadrowania jeden element obrazu znajduje się w innym elemencie. Tworzy to ramkę w twojej ramce. Na przykład możesz strzelać przez okno lub przez otwór w drzewach.
Ramki dodają głębi i przyciągają nasze oczy do obrazu i do głównego obiektu.
19. Użyj warstw dla głębokości i wymiarów
Nakładanie warstw szuka elementów, które układają się od przodu do tyłu obrazu. Warstwy dodają głębi i wymiaru.
Warstwy obejmują dodanie elementu pierwszego planu do krajobrazu. Zamiast sceny znajdującej się na tej samej płaskiej płaszczyźnie, element pierwszego planu wprowadza widza do sceny. Skały lub kwiaty to naturalne elementy pierwszego planu.
Warstwy powinny być wizualnie odmienne w kolorze lub świetle. Pomaga to uniknąć fuzji i pozwala oczom łatwo odróżnić warstwy.
20. Unikaj fuzji
Połączenia mają miejsce, gdy elementy obrazu nakładają się na siebie w sposób, który utrudnia rozdzielenie naszych oczu. Nasze oczy 3D oddzielają rzeczy oddzielone odległością. Ale na zdjęciu 2D obiekty naleśnikują się, zwłaszcza jeśli mają podobny kolor lub cieniowanie.
Uważaj na rozpraszacze w tle. Łatwo przeoczyć gałąź drzewa, która wydaje się wychodzić z czyjejś głowy. Albo ludzie wyglądają, jakby mieli dodatkowe kończyny.
Aby stworzyć wyraźną kompozycję, upewnij się, że główny obiekt ma wokół siebie przestrzeń. Jeśli przedmioty lub ludzie nakładają się na siebie, zrób krok w lewo lub w prawo. Nawet nieznaczna zmiana kąta często może wyeliminować fuzje.
21. Sprawdź krawędzie pod kątem rozpraszania uwagi
Na koniec, zanim zrobisz zdjęcie, zeskanuj krawędzie ramki. Często jesteśmy tak skupieni na naszym głównym temacie, że zapominamy spojrzeć na całą klatkę.
Poszukaj uwięzionej przestrzeni. Uwięziona przestrzeń ma miejsce, gdy obiekt i krawędź ramy przecinają się, tworząc dziwny kształt światła.
Zobacz także, jak krawędzie kadru odcinają przedmioty lub ludzi.
Niektórzy fotografowie kierują się zasadą:„Włącz wszystko albo nie wstawiaj niczego”. Oznacza to, że zamiast odcinać przedmiot lub osobę na krawędzi ramy, lepiej jest ją całkowicie wyciąć.
Inni fotografowie są w porządku z odcinaniem obiektu lub osoby, o ile kadr wygląda naturalnie.
Fotografowie portretowi starają się nie odcinać ludzi w stawach.
Wniosek
Wybory kompozycyjne decydują o różnicy między migawką a świetną fotografią. Przestrzeganie tych zasad kompozycji fotografii to świetny sposób na tworzenie bardziej imponujących zdjęć.
Ale nie ma jednego właściwego sposobu patrzenia na świat. Gdy już opanujesz zasady kompozycji fotograficznej, nadszedł czas, aby je nagiąć lub złamać.
Użyj tych zasad kompozycji fotografii jako wskazówek, które pomogą Ci zdecydować, co umieścić na zdjęciu i jak rozmieścić elementy.
Czasami właściwą rzeczą jest złamanie zasad kompozycji!