i. Zrozumienie oświetlenia i stylu Rembrandt:
Zanim zanurzysz się w Lightroom, zrozum kluczowe elementy oświetlenia i stylu Rembrandta:
* Pojedyncze źródło światła: Rembrandt zwykle używał pojedynczego, silnego źródła światła umieszczonego pod kątem 45 stopni.
* oświetlenie Rembrandt (łatka): Charakterystyką definiującą jest mały, odwrócony trójkąt światła na policzku najdalej od źródła światła. Ta „łatka” jest kluczowa.
* Chiaroscuro: Silny kontrast między światłem i cieniem, tworząc poczucie dramatu i głębi. Nacisk na głębokie czarne i bogate ciemne odcienie.
* ciepłe tony: Często portrety Rembrandta mają nieco ciepłą, złotą jakość.
* miękkie światło: Przejście od światła do cienia powinno być stopniowe i miękkie, a nie surowe.
ii. Regulacja Lightroom:
1. Import i podstawowe korekty:
* Zaimportuj swój obraz: Wybierz surowy plik, aby uzyskać maksymalną elastyczność.
* Korekty profilu: W panelu „Korekty soczewek” włącz „Usuń aberrację chromatyczną” i „Włącz korektę profilu” ustalenie zniekształceń soczewki.
* Bilans biały:
* Zacznij od „strzału” lub „auto” białego bilansu.
* Dostosuj suwak „temperaturę” (temperaturę), aby wprowadzić nieco cieplejszy ton w razie potrzeby (przesuń go w kierunku żółtego). Unikaj przesadzania.
* Dostosuj suwak „odcienia” (w kierunku magenta lub zielonego) w razie potrzeby, aby dopracować równowagę kolorów.
* Ekspozycja: Nieco niedoświetlone obraz, jeśli wydaje się zbyt jasny. Później możesz odzyskać cienie. Cel na dobrą ekspozycję na wyróżnionych obszarach twarzy.
2. Dostosowanie tonów (rdzeń Rembrandt Look):
* kontrast: Zwiększ kontrast, aby zwiększyć różnicę między wyświetleniami i cieniami. Dobrym punktem wyjścia jest +20 do +40, ale dostosuj na podstawie obrazu.
* Podprawy: Zmniejsz atrakcje. Zapobiega to przycinaniu w jaśniejszych obszarach twarzy, szczególnie wokół czoła i nosa. Przesuń suwak w lewo (wartości ujemne).
* Shadows: Otwórz cienie, aby ujawnić szczegóły, ale nie przesadzaj. Chcesz utrzymać ogólną ciemność i nastrój. Użyj suwaka po prawej (wartości dodatnie), ale bądź subtelny.
* białe: Zmniejsz „białe”, aby zapobiec przycinaniu w najjaśniejszych obszarach i utrzymać kontrolę. Różni się to od „najważniejszych”, co wpływa na szerszy zakres jasnych tonów.
* czarne: Zmniejsz „czarnych”, aby pogłębić cienie i stwórz silniejszy kontrast. Jest to niezbędne dla ciemnego i nastrojowego wrażeń.
* krzywa tonowa: W tym miejscu możesz dostroić kontrast i zakres tonalny:
* Krzywa punktowa: Możesz utworzyć subtelną „S-curve”, aby zwiększyć kontrast (lekko ściągnij cienie i lekko wepchnij podświetlenia). Unikaj jednak zbyt ostrych krzywych. Delikatna krzywa jest zwykle najlepsza.
3. Regulacja kolorów (subtelne ulepszenia):
* HSL/Color Panel:
* hue: Dokonaj niewielkich regulacji odcienia czerwieni, pomarańczy i żółci, aby udoskonalić odcienie skóry. Bądź bardzo subtelny.
* Nasycenie: Lekko desaturują kolory, aby stworzyć bardziej wyciszony i mniej żywy wygląd. Desaturat czerwone, pomarańcze i żółcie, aby uzyskać bardziej vintage. Nie desaturuj do zasady szarości.
* Luminance: Dostosuj luminancję czerwieni, pomarańczy i żółci, aby dopracować odcienie skóry. Zwiększenie luminancji pomarańczy może zmiękczyć skórę, a zmniejszenie luminancji czerwonych może zwiększyć głębokość.
* Gradowanie kolorów:
* Jest to potężne narzędzie do dodawania subtelnych odlewów kolorów do różnych zakresów tonalnych.
* Shadows: Dodaj bardzo lekki dotknięcie niebieskiego lub cyjanowego do cieni, aby uzyskać chłodny kontrast z ciepłem w atrakcjach.
* Midtones: Rozważ dodanie odrobiny ciepła (pomarańczowego lub żółtego) do środkowych paneli.
* Podprawy: Możesz pozostawić najważniejsze informacje neutralne lub dodać bardzo lekki ciepły ton (żółty lub pomarańczowy).
* Użyj suwaków „mieszanie” i „równowagi”, aby dopracować mieszanie między tymi kolorami. Opuść „mieszanie”, aby kolory były bardziej wyraźne.
4. Szczegóły i efekty:
* wyostrzenie: Zastosuj umiarkowaną ilość wyostrzenia, aby zwiększyć szczegóły. Zwróć uwagę na suwak „maskujący”, aby uniknąć wyostrzenia szumu w tle. Powiększ do 100%, aby dokładnie ocenić wyostrzenie.
* Redukcja szumu: Jeśli twój obraz ma szum (szczególnie w cieniu), zastosuj redukcję szumu (zarówno luminancję, jak i redukcję szumów kolorów). Uważaj, aby nie nadmiernie zgasić obrazu.
* Vignetting: Dodaj niewielką winietę (efekt> winietowanie), aby wyciągnąć oko widza na środek obrazu i dalej przyciemnij krawędzie. Wybierz ujemną kwotę dla ciemnej winiety. Dostosuj suwaki „środkowego punktu” i „okrągłości”, aby kontrolować kształt i położenie winiety.
* ziarno (opcjonalnie): Dodanie niewielkiej ilości ziarna może nadać obrazowi teksturę przypominającą film i poprawić styl vintage.
5. Regulacja lokalna (narzędzie pędzla i filtry stopniowe):
* narzędzie pędzla:
* Dodge and Burn: Użyj narzędzia szczotki z dodatnią ekspozycją na subtelnie rozjaśniane podświetlenia i ujemną ekspozycję na ciemne cienie. Pomaga to wyrzeźbić światło i zwiększyć głębokość. Skoncentruj się na zdefiniowaniu trójkąta Rembrandta i dodaniu wymiaru do twarzy.
* zmiękcza skórę: Użyj pędzla o ujemnej przejrzystości i ostrości oraz niewielkiej ilości redukcji szumu do subtelnie zmiękczonej skóry. Unikaj nadmiernego gładka, który wygląda nienaturalnie.
* Filtr dyplomowy:
* Użyj filtra stopniowego, aby przyciemnić tło, dodatkowo izolując obiekt. Ustaw filtr, aby zanikał w tle.
iii. Ważne wskazówki i rozważania:
* Zacznij od dobrego obrazu: Najlepsze wyniki pochodzą z obrazów, które są już dobrze oświetlone w sposób, który przypomina oświetlenie Rembrandt (pojedyncze źródło światła, kierunkowość).
* subtelność jest kluczowa: Unikaj przesadzania jakiejkolwiek pojedynczej regulacji. Małe, przyrostowe zmiany są lepsze.
* Monitoruj histogram: Histogram jest twoim przewodnikiem po zasięgu tonalnym obrazu. Upewnij się, że nie przycinasz nadmiernie podświetleń ani cieni.
* Zoom w: Regularnie powiększa się do 100%, aby sprawdzić hałas, wyostrzanie artefaktów i nadmierne gładkie.
* Eksperymentuj i personalizuj: Są to wytyczne, a nie ścisłe zasady. Eksperymentuj z różnymi ustawieniami, aby znaleźć to, co działa najlepiej dla Twojego obrazu i osobistego stylu.
* Obrazy odniesienia: Trzymaj obrazy Rembrandta w pobliżu jako odniesienie do ogólnego wyglądu i wyczuć, że próbujesz osiągnąć.
* Ćwicz: Im więcej ćwiczysz, tym lepiej staniesz się rozpoznawać cechy oświetlenia Rembrandta i odtwarzanie ich w Lightroom.
* Zachowaj teksturę skóry: Nadmierne gładko skóry jest częstym błędem. Utrzymuj pewien poziom naturalnej konsystencji skóry.
* Sprawdź szczegóły cienia: Podczas gdy wygląd jest ciemny i nastrojowy, upewnij się, że w cieniu wciąż widoczne są szczegóły. Całkowicie czarne cienie mogą wyglądać płasko i nieprzyjemnie.
Przykładowy przepływ pracy:
1. Zaimportuj plik surowy.
2. Korekty soczewek.
3. Dostosowanie równowagi białej (lekkie ciepło).
4. Dostosowanie ekspozycji (w razie potrzeby niewielka niedostosowanie obrażenia).
5. Kontrast +30
6. Najważniejsze informacje -40
7. Cienia +20
8. Biali -20
9. Czarni -30
10. Krzywa tonowa (delikatna S-Curve).
11. Regulacje HSL (lekko desaturat czerwone/pomarańcze, dostosuj luminancję).
12. Gradowanie kolorów (chłodne cienie, ciepłe śródteczne).
13. Wyostrzenie.
14. Redukcja szumu (w razie potrzeby).
15. Winiec.
16. REGULACJE LOKALNE (Unikaj i spal z pędzlem, ciemnienie tła za pomocą filtra stopniowego).
Starając stosując te korekty i techniki, możesz stworzyć piękny i sugestywny portret w stylu Rembrandt w Lightroom. Pamiętaj, aby zawsze priorytetowo traktować ogólny nastrój i uczucie, które chcesz przekazać. Powodzenia!