10 rodzajów ujęć i kątów, które powinien znać każdy filmowiec

Oto dziesięć rodzajów ujęć, które każdy filmowiec powinien wykorzystać – i jak te ujęcia mogą pomóc Ci opowiedzieć historię Twojego projektu.

Tworzenie filmów to opowiadanie historii. Istnieje nieskończona ilość historii do opowiedzenia — a także sposobów na ich opowiedzenie. Jako forma sztuki, tworzenie filmów daje nam możliwość odnalezienia naszego głosu poprzez obrazy i dźwięk. Chociaż istnieje wiele kreatywnych dróg do zbadania, dzisiaj przyjrzymy się podstawom kątów kamery. Wybrane kąty i ujęcia, z odległością lub bliskością obiektu, mogą zmienić sposób, w jaki widzowie zinterpretują Twoją historię, lepiej lub gorzej.

Definicja ujęcia zależy od tego, co wypełnia kompozycję, a także od umiejscowienia aparatu lub elementów sterujących ogniskową. W pewnych okolicznościach jest on definiowany przez oba. Dłuższa ogniskowa pozwala na wypełnienie kadru obiektem, a przy krótszej ogniskowej można uzyskać szersze pole widzenia, rejestrując zarówno obiekt, jak i krajobraz.

Przejdźmy do najważniejszych ujęć i tego, co każdy z nich może dodać do Twojej historii.

Ekstremalne zbliżenie

W jednym lub dwóch zdaniu:ekstremalne zbliżenie ukaże obiekt z bliska, ukazując najdrobniejsze szczegóły, których nie widać w normalnych okolicznościach.

Będziesz wiedział, kiedy zobaczysz ekstremalne ujęcie z bliska. Zwykle jest to coś małego (lub drobna cecha na czyjejś twarzy), które stało się ogromne. Ten rodzaj ujęć służy zazwyczaj do zwrócenia uwagi na określony obiekt lub ruch. Za tymi ujęciami nie ma ukrytego znaczenia, ponieważ reżyser dokładnie mówi widzom, na co ma patrzeć. Niezależnie od tego, czy jest to konkretne oznaczenie postaci, czy drobny szczegół, który jest zbyt mały, by zauważyć inaczej, nie będziesz w stanie przeoczyć go w ekstremalnym zbliżeniu, ponieważ zapełni całą ramkę.

Zazwyczaj to właśnie odróżnia ekstremalne zbliżenie od zbliżenia standardowego; cała zawartość wypełnia całą ramkę. Podczas gdy zbliżenie może nadal pokazywać niektóre elementy tła.

Ewentualnie, jeśli tematem jest przedmiot nieożywiony, taki jak gazeta, ekstremalne zbliżenie prawdopodobnie doprowadziłoby nas na tyle blisko, żebyśmy mogli zobaczyć teksturę gazety i atramentu.

Jeśli masz szerokokątny obiektyw makro, możesz teoretycznie ustawić aparat dokładnie blisko obiektu, aby uzyskać ekstremalne zbliżenie. Jednakże, jeśli twój obiekt jest aktorem, będzie to nieprzyjemne doświadczenie, ponieważ dosłownie potrzebujesz kamery przed twarzą. Dlatego zalecamy używanie obiektywu o ogniskowej 50mm i większej. Im dłuższa ogniskowa, tym bliżej można zbliżyć się do twarzy aktora bez konieczności przesuwania kamery do przodu.

David Fincher stał się mistrzem ekstremalnych zbliżeń, których możesz zobaczyć w tym eseju wideo.

Zbliżenie

W zdaniu lub dwóch:Zbliżenie to ujęcie wykonane z bliskiej odległości, które pokazuje widzowi więcej szczegółów. Chociaż obraz będzie intymny, powinieneś być w stanie rozpoznać obrazy w kompozycji.

Zbliżenia to idealny ruch w każdej emocjonalnej, dramatycznej scenie, która musi przekazać publiczności to, co myślą bohaterowie. Te ujęcia wskazują widzom, że ważne jest to, co widzą lub słyszą.

Pytanie brzmi, skąd wiemy, że możemy się zbliżyć z połowy ujęcia lub z połowy zbliżenia? Zwykle dobrym identyfikatorem jest sytuacja, gdy publiczność jest wezwana na konkretną reakcję postaci i jest to bardzo ważna reakcja, która głęboko wpłynie na fabułę.

Doskonałym przykładem jest to ujęcie z filmu Władca pierścieni:Powrót króla . Gondor wezwał pomoc, a król Rohanu musi zdecydować, czy wyśle ​​swoją armię na pomoc, pomimo nieco chłodnych relacji z Gondorem. Kamera przesuwa się do przodu od połowy ujęcia do zbliżenia, a następnie przechodzi do kilku innych zbliżeń postaci oczekujących na jego odpowiedź. Jest intensywny; jest intymny i reakcyjny — idealne wykorzystanie zbliżenia.

Oprawa powinna ściśle przylegać do głowy i twarzy — czubek głowy powinien dotykać górnej części oprawki. Możesz zrobić jedno z tych ujęć, używając dowolnego obiektywu o ogniskowej 50 mm i większej. Cokolwiek mniej może spowodować beczkę obiektywu, która nieznacznie zniekształci obraz.

Średnie zbliżenie

W jednym lub dwóch zdaniu:średnie zbliżenie jest mniej intymne niż zbliżenie, ale bliżej niż w połowie ujęcia. To idealna równowaga między intymnością, a jednocześnie pozostawieniem tematu własnej przestrzeni.

Jeśli zbliżenie jest wykonywane od dolnej części szyi do czubka głowy, średnie zbliżenie dotyczy górnej części tułowia. To ujęcie jest idealne do uchwycenia reakcji. Pomyśl o tym jako o emocjonalnej zapłacie dla twojej postaci i publiczności. To kadrowanie to doskonały sposób na zbliżenie się do swojej postaci i tematu, ponieważ nie ma zbyt wiele miejsca do poruszania się. Pomaga to również znacznie bardziej wprowadzić widza na scenę.

Filmowcy zazwyczaj używają średnich zbliżeń w dalszej części scen konwersacyjnych. Średnie ujęcie zaprosi nas na scenę, ale średnie zbliżenie nas w nią wciągnie. Nie jest już osobą z zewnątrz siedzącą na stole naprzeciwko postaci, ale częścią rozmowy.

Nie ma pisanej zasady mówiącej, że ze średniego ujęcia musisz przejść do średniego zbliżenia. Jednak gdy rozmowa zaczyna mieć poczucie wagi, lepiej jest przejść do tematu, aby podkreślić lekkość chwili.

35 mm jest tutaj standardową ogniskową i ważne jest, aby nie drastycznie zwiększać ogniskowej w celu uzyskania średniego zbliżenia, ponieważ kompresja zwiększonej ogniskowej może zmienić cechy obiektu.

Poniższa scena z filmu Heat Michaela Manna jest doskonałym przykładem zastosowania średniego zbliżenia. Powinieneś zauważyć, że po przejściu do średniego zbliżenia nigdy nie wracają do średniego ujęcia.

Średni strzał

W jednym lub dwóch zdaniu:Ujęcie środkowe to klasyczne ujęcie konwersacyjne. Przyjazny, informacyjny i będziesz mógł zarejestrować wszystkie szczegóły swojego obiektu od górnej części tułowia.

Średnie ujęcie to standardowe, konwersacyjne ujęcie od pasa w górę, w ramce. To będzie twoje główne ujęcie podczas filmowania swoich aktorów. To ujęcie przedstawia perspektywę widza z dystansu konwersacyjnego. Jeśli kiedykolwiek zamierzasz nakręcić wywiad lub scenę dialogową, trzymaj się średniego ujęcia.

Niektórzy operatorzy naprawdę opanowali średnie ujęcie — jak Roger Deakins i Wally Pfister.

Weźmy na przykład tę sekwencję z Incepcji Christophera Nolana , nakręcony przez Wally'ego Pfistera. Widać, że większość dialogów jest przekazywana w połowie ujęcia. Pozwala widzom wziąć udział w rozmowie, ale także zachować zainteresowanie tętniącym życiem tłem, które jest ważne dla historii.

Podobnie jak przy średnim zbliżeniu, standardowa ogniskowa to 35 mm. Możesz jednak popchnąć trochę szerzej, w zależności od liczby osób w twojej ramce. Mógłbyś również użyć dłuższej ogniskowej, aby skompresować tło i wyizolować postać, ale wiązałoby się to z koniecznością cofnięcia aparatu.

Chociaż to ujęcie jest kategorycznie średnim ujęciem, uchwyciłem obraz kilkanaście stóp z tyłu za pomocą obiektywu 180 mm.

Pozwoliło mi to skompresować tło, aby uzyskać bardziej izolowane średnie ujęcie. Kompresja tła może również odgrywać kluczową rolę w ustawianiu tonu twojej sceny. Bardziej skompresowane ujęcie w środku sugeruje bardziej napięty lub prywatny moment niż standardowe średnie ujęcie, które wyświetla kilka elementów tła.

Szeroki/długi strzał

W zdaniu lub dwóch:szerokie ujęcie pozwala widzom przyswoić wszystkie informacje o scenie w jednym ujęciu.

Szerokie ujęcie, zwane również długim ujęciem, jest idealne do każdej sceny akcji. Celem szerokiego ujęcia jest uchwycenie jak największej ilości informacji. Możesz pochwalić się swoim zestawem — i lokalizacjami — używając szerokiego ujęcia, aby dodać wartość i głębię produkcji.

Szerokie ujęcie jest równie ważne przy ustalaniu geografii miejsca. Obejmuje to wzajemne relacje postaci, rekwizyty i źródła światła. Bez szerokiego ujęcia widzowie mogą czasami zdezorientować się, jak daleko od siebie mają się znajdować postacie i jaka jest ich ogólna pozycja w danej lokalizacji. Następnie wykorzystasz inne ujęcia, takie jak zbliżenie, aby jeszcze bardziej podkreślić mniejsze szczegóły, które można przeoczyć.

Nie ma konkretnej zasady, jakiej ogniskowej należy użyć. Jednak najlepszym wyborem będą obiektywy szerokokątne do 35 mm, i to nie tylko dlatego, że mogą uchwycić szersze pole widzenia. Jeśli wykonasz szerokie ujęcie z aparatem dalej z tyłu iz przedłużoną ogniskową, w całej kompozycji pozostanie mniej obiektów z powodu kompresji obiektywu.

Ekstremalnie szeroki/długi strzał

W jednym lub dwóch zdaniu:Ekstremalnie szerokie ujęcie dotyczy Twojej lokalizacji. Minimalizuje twoje postacie i pozwala lokalizacji mówić za nich.

Weź szeroki strzał i wzmocnij go o dziesięć. Ekstremalnie szerokie ujęcie ma zadziwić publiczność, umieszczając Twoje efekty wizualne na imponującym wyświetlaczu. Ekstremalnie szerokie mogą być anteny i ujęcia śledzące — po prostu upewnij się, że twoje postacie są jak najmniejszą częścią. Chodzi o skalę i zakres tego, co dzieje się w historii.

Skrajnie szerokie ujęcie ma na celu podkreślenie Twojej lokalizacji. Rozległe widoki, starożytne zamki i niebiańskie równiny są najlepszymi przykładami, które wielokrotnie można znaleźć w filmach, które po raz pierwszy przedstawiono w ekstremalnie szerokim ujęciu. EWS jest kluczem do wyświetlenia Twojego świata w jednym ujęciu.

Ze względu na ekstrawagancki charakter filmów o superbohaterach, obsadę i światy wymyślone na podstawie efektów wizualnych, często zobaczysz sceny wypełnione ekstremalnie szerokimi ujęciami, w których można wszystko upchnąć. Być może słynnym przykładem jest doskonała scena z Avengers:Koniec gry .

Strzał ustalający

W zdaniu:ujęcie wprowadzające określi lokalizację, godzinę lub porę roku.

Jaka jest więc różnica między ekstremalnie szerokim strzałem a początkowym strzałem? W niektórych okolicznościach ujęcie wprowadzające może być ekstremalnie szerokim ujęciem, zwłaszcza jeśli lokalizacja jest ogromna. Jednak ujęcie ustalające może również stanowić średnie ujęcie pojazdu ratowniczego na poboczu lub szerokie ujęcie budki telefonicznej. Zasadniczo ujęcie wprowadzające zapewnia widzom kontekst Twojego filmu poprzez lokalizację i czas.

Możesz mieć dwa identyczne szerokie ujęcia podmiejskiego domu, powiedzmy jedno o 15:00, a drugie o 22:00, i użyć ich do ustalenia przesunięcia w czasie ujęć wnętrza.

Są świetnym sposobem na ustawienie sceny, informując publiczność, gdzie są twoje postacie i gdzie się rozgrywają. Najlepszą częścią oddania przekonującego ugruntowania jest to, że nie musisz przestrzegać ugruntowanego ujęcia. Możesz powiedzieć widzom, że Twój film rozgrywa się w wieżowcu, podczas gdy kręcisz większość scen w swoim mieszkaniu. Chodzi tylko o ustawienie sceny i dodanie do scenariusza — bez polegania na ekspozycji lub dialogu.

Łączenie podstawowych typów ujęć w celu uzyskania efektownego filmu

Chociaż są to podstawowe podstawy różnych ujęć, które możesz wykorzystać do tworzenia filmów, możesz je również połączyć, aby stworzyć nowe i ekscytujące ujęcia.

Długie ujęcie

W jednym lub dwóch zdaniu:długie ujęcie to pojedyncze ujęcie obejmujące całą scenę.

Długie ujęcie jest dokładnie takie jak zatytułowane. To pojedyncze ujęcie, dłuższe niż typowa wariacja, a ze względu na swoją specjalizację i sprawność techniczną często filmuje całą scenę. Długie ujęcie często łączy kilka ujęć wymienionych powyżej, przechodząc od ujęcia wprowadzającego do zbliżenia. Doskonałym tego przykładem jest film o Jamesie Bondzie Spectre .

Jednym z najlepszych sposobów na pełne zanurzenie widzów w stworzonym przez siebie świecie jest skorzystanie z tego ujęcia. Długie ujęcie może być świetnym sposobem na pokazanie pracy kamery i pokazanie talentu aktorów. To w zasadzie film najbliższy teatrowi; nieustanne ujęcie, które jest odtwarzane w czasie rzeczywistym w najczystszej formie. Jeśli widziałeś filmy takie jak Dzieci mężczyzn i Ptasznik , wiesz dokładnie, ile intensywności i realizmu może dodać do sceny długie ujęcie. Jednak nawet w przykładzie z Jamesem Bondem pokazanym powyżej, większość długich ujęć w kinie rzadko to naprawdę długie ujęcia. Nacięcia są sprytnie ukryte między patelniami a pierwszymi przejściami, aby dać załodze trochę oddechu.

Jeśli masz ograniczony budżet, prawdopodobnie nie będziesz mieć środków na zakup bezprzewodowego systemu śledzenia ostrości i ściągacza ostrości. Zamiast tego użyj ekstremalnie szerokokątnego obiektywu (16 mm-20 mm) i ustaw ostrość w pobliżu nieskończoności. W rezultacie, wystarczająco blisko, wszystko o jedną lub dwie stopy przed tobą pozostanie w centrum uwagi.

Powiększanie awarii

W jednym lub dwóch zdaniu:Awaryjny zoom to natychmiastowe powiększenie od ekstremalnie szerokiego lub szerokiego ujęcia do średniego lub zbliżenia.

Crash Zoom to nieco przestarzała technika, ale nadal działa dobrze, jeśli używasz jej poprawnie. Polega jedynie na tym, że operator kamery szybko rozszerza zoom na obiekt. Jednak zazwyczaj do tego celu potrzebny jest obiektyw filmowy, ponieważ obiektyw musi być parafokalny. Oznacza to, że pomimo zmiany ogniskowych ostrość pozostanie taka sama. To nie jest coś, co można uzyskać z typowym obiektywem nieruchomym.

Nie ma nic lepszego niż dobry, dobrze wymierzony w czasie zoom awaryjny. Szybkie powiększanie postaci to zabawny i skuteczny sposób na zwrócenie uwagi na to, co chcesz podkreślić. (Nie odwracasz wzroku od tego, na czym zdecydujesz się rozbić.) Zwykle to ujęcie ma efekt komediowy. Jest to jednak również powszechna technika demonstrowania skali i pracy kamery w stylu kina vérité.

Jak sama nazwa wskazuje, będziesz potrzebować obiektywu zmiennoogniskowego, najlepiej takiego, który sięga od ogniskowej standardowej do teleobiektywu, takiego jak 24 mm-70 mm, w przeciwieństwie do zoomu szerokokątnego.

Choć jest mistrzem wielu rzeczy, Quentin Tarantino często stosuje tę technikę z wielkim sukcesem.

Punkt widzenia

W jednym lub dwóch zdaniach:w ujęciu z punktu widzenia widzimy dokładnie to, co widzi postać.

POV to skrót od punktu widzenia. Większość filmów, zwłaszcza kryminalnych, przedstawia punkt widzenia, z którego widz widzi, jak rozwija się historia – zazwyczaj jest to główny detektyw. Jednak w terminologii dotyczącej aparatu POV ma inne znaczenie. To tam kamera bezpośrednio odtwarza to, co widzi postać. Może to pochodzić z ich bezpośredniego punktu widzenia (ich oczu), jak wykorzystano w Hardcore Henry lub z punktu widzenia urządzenia nagrywającego, takiego jak domowa kamera wideo w Cloverfield . Dzięki tej technice przyswajamy postać i to, co bezpośrednio widzą.

Obecnie wielokrotnie używano ujęć z punktu widzenia, zwłaszcza w przypadku filmów typu found footage, takich jak Projekt Blair Witch . W tym ujęciu kamera trafia w ręce widzów — pokazując świat z perspektywy postaci. Mogą poczuć i zobaczyć wszystko, co widzi postać, tworząc empatię dla twojego bohatera. Polecam wypróbowanie tego. Trudno to zrobić, ale kiedy jest to zrobione dobrze, nic nie ma porównania.

Podczas gdy strzały wymienione powyżej stanowią nieco podstawę dla zestawu zasad. nie musisz ich specjalnie przestrzegać. Stwierdziłem, że użycie obiektywu szerokokątnego na zbliżeniu dałoby zniekształcenie w zbliżeniu, ale filmowiec Terrance Mallick często to stosuje i to działa. Ale jak powiedział kiedyś Pablo Picasso:„Naucz się zasad jak profesjonalista, abyś mógł je łamać jak artysta”.

Interesują Cię utwory, których użyliśmy do stworzenia tego filmu?

• „Masters of Funk” Olive Musique
• „Ascending the Mountain” Sonny'ego Lauderdale'a
• „In the Evergreens” autorstwa Symphonic Collective
• „Uptown Funk” Reaktor Productions
• „Cosmic Crush” Wilków
• „Nie zapomnij” Marca Wallocha

Szukasz więcej samouczków wideo? Sprawdź to.

• Jak zbudować własny komputer do edycji wideo
• Samouczek wideo:Dlaczego potrzebujesz filtrów obiektywu do swojego drona
• Samouczek wideo:jak uzyskać kinowe oświetlenie w małych pomieszczeniach
• Jak używać ziaren filmu + BEZPŁATNE nakładki ziarna filmu
• Jak uzyskać najlepsze wyniki w zwolnionym tempie dzięki przepływowi optycznemu

Zdjęcie na okładkę:dr Pixel.