Opanuj opowiadanie wideo w stylu Hollywood

W tłumie zapada cisza, gdy pojawia się klasycznie nakręcony film- ekran. To to samo ciche oczekiwanie, które krąży wokół ogniska, gdy ktoś mówi „Pewnego razu…”, gdy poświęcamy całą naszą uwagę rozrywce. Magią narracji filmowca jest starannie dopracowane rzemiosło zwane Hollywood Look. Filmy ślubne, najważniejsze wydarzenia z wakacji i prezentacje firmowe mogą korzystać z klasycznych technik srebrnego ekranu.

Każdy, bez względu na poziom doświadczenia, może osiągnąć hollywoodzki wygląd przy użyciu subtelnych technik. Każdy strzał i każda zmiana musi się liczyć. Hollywood opiera się na ogromnych sumach, aby osiągnąć „wartość produkcyjną”, ale dla Ciebie jedynym wymogiem jest uważne oko. Z tego artykułu dowiesz się, czym są te techniki i jak z nich korzystać, aby stworzyć klasyczny film.

Zbuduj swój słownik wideo

Mistrz filmowy nie tworzy klasycznego filmu, łącząc ze sobą kompletnie niepowiązane ze sobą elementy, podobnie jak dziennikarz nie pisze nagradzanej historii pełnej nonsensownych słów. Ponieważ wideo jest tak realistyczne, zapominamy, że jest to złożony język obrazów, a nie słów. Kiedy zbieramy wszystkie nasze wideo z całego dnia kręcenia, zwykle mamy losowe ujęcia rozrzucone po taśmie. Odtworzony „tak jak jest” nasz film jest tak samo zagmatwany i nudny, jak zdanie złożone z bezsensownych słów. Jakie jest rozwiązanie? Plan.

Za każdym razem, gdy kamera się obraca, powinna dodawać kolejne ujęcie, które będzie kontynuowało logikę określonej sekwencji. Podobnie jak układanie słów w zdanie, każde ujęcie sugeruje te, które następują po nim.

Zrób zdjęcie do edycji, edytuj ze swoich ujęć

Twój film może dotyczyć wszystkiego, ale w każdej scenie będziesz miał konkretny pomysł do przekazania. Zamiast pedantycznie informować widzów, możesz angażować ich w małe dramaty w całym filmie. Zapewnisz im rozrywkę i pomożesz zapamiętać swoje informacje.

Wyobraźmy sobie konkretną sytuację:w swoim filmie potrzebujesz sceny, która pokazuje, jak ABC Machining szybko reaguje na potrzeby klienta. Maszynista John nada firmie ludzką twarz. Możesz pokazać, jak John pracuje, podczas gdy narrator mówi słuchaczom, jak szybko on i firma reagują na potrzeby klienta. Jest to łatwe do nakręcenia, łatwe do edycji i ostatecznie nudne dla widzów.

Jeśli masz trochę więcej czasu, dlaczego nie opowiedzieć widzom historii? Jest 4:45 i John wygląda na gotowy do powrotu do domu. Dzwoni telefon w sklepie, a John szybko zapisuje informacje w notesie. Klient potrzebuje części obrobionej, a to sytuacja awaryjna. John sprawnie frezuje część i przekazuje ją klientowi, gdy ten wchodzi tylnymi drzwiami. Dobrze wykonana praca zajęła Johnowi do 5:25, ale klient jest zadowolony, a John jest dumny. Wyłącza światła i wraca do domu. Różnica w Hollywood wynika z myślenia nie tylko o ujęciach, ale także o tym, jak do siebie pasują.

Tworzenie, średnie i zbliżenie ujęć

Układając ujęcia w wizualnie zawężające się sekwencje, dajesz widzom możliwość zorientowania się w miejscu i historii. W naszym filmiku dla mechanika, ujęciem dla tej sekwencji może być zewnętrzna strona ABC Machining, z wyraźnie widocznym znakiem, lub szeroki widok na samą halę produkcyjną. Gdy widzowie zrozumieją, gdzie jesteśmy, średnie ujęcie mówi im, kogo lub czego szukać, i pozwala kamerze łatwo podążać za linią wzroku. Zarezerwuj zbliżenia na naprawdę ważne punkty, które chcesz zrobić. W tym przypadku potrzebowalibyśmy serii trzech zbliżeń:zegar zbliżający się do piątej, dzwoniący telefon i zaskoczona twarz Johna powiedziałyby widzom wszystkie szczegóły potrzebne do przygotowania dramatu.

Kierunek ekranu

Kierunek ekranu to nie reżyseria; chodzi o to, w którą stronę kierują się twoje postacie w kadrze. Jeśli chcesz mieć pewność, że John robi postępy, pokaż go, jak porusza się w tym samym kierunku przy każdym ujęciu. Jeśli wejdzie z prawej strony kadru i przesunie się w lewo, przy każdym kolejnym ujęciu w sekwencji John powinien poruszać się od prawej do lewej. Nawet jeśli strzelasz do tych części w osobnych miejscach, zawsze przesuwając się od prawej do lewej, możesz stworzyć wrażenie, że Jan porusza się płynnie po roślinie.

W Krojowni

Jeżeli kręcisz taśmę z zamiarem montażu, przy każdym cięciu masz do wyboru kilka opcji. Pamiętaj, aby pozwolić kamerze obracać się przez co najmniej 10 sekund przed i po każdym ujęciu, pozostawiając Ci miejsce na przesunięcie cięcia w montażowni.

O ile nie chcesz wstrząsnąć publicznością, każde cięcie powinno spaść w miejscu, w którym rytm twojej sekwencji nie jest zakłócony. Najlepszą sztuczką w handlu jest cięcie w działaniu. Szukając ruchu w kadrze i dopasowując go od pierwszego do drugiego ujęcia, publiczność nawet nie zauważy, że zmieniłeś kąt kamery.

Kiedy Jan odbierze telefon na początku naszej sekwencji ciąg całkiem odmiennego materiału musi płynąć razem płynnie i w zrozumiały sposób. Z zbliżenia telefonu ręka Johna się porusza. Gdy chwyta słuchawkę i zaczyna ją podnosić, możemy przejść do szerszego ujęcia przedstawiającego go przez telefon. Przechodząc do szerszego ujęcia w momencie, gdy podnosi słuchawkę, wygładzamy wszelkie zakłócenia sekwencji. To szerokie ujęcie mogłoby jednocześnie odsłonić zegar w tle. Aby ustalić znaczenie zegara dla Johna, przyjrzyjmy się zbliżeniu jego twarzy. Jego oko przez chwilę migocze w kierunku ściany. To jest moment, w którym przechodzimy do zbliżenia zegara. Ucinając akcję Johna, skierował on naszą uwagę na zegar i dokonał płynnego przejścia, które nie denerwuje widzów.

Cięcie w rytm

Docinanie ujęć do rytmu muzyki w tle pomaga nadać rytm zmianom. Aby to osiągnąć, potrzebujesz systemu edycji, który obsługuje zarówno kod czasowy, jak i dubbing A/V (możliwość kopiowania wideo bez niszczenia istniejącego dźwięku i odwrotnie). Najpierw ułożysz muzykę do edytowanej taśmy, a później upewnisz się, że każdy nowy klip zaczyna się w momencie uderzenia w muzyce.

Wykonaj to w edycji dwoma palcami między Twoja kamera i magnetowid bez kontrolera edycji jest bardzo trudne. Nawet jeśli mógłbyś wcisnąć przycisk pauzy dokładnie w odpowiednim momencie, musiałbyś wziąć pod uwagę opóźnienie w nagrywaniu. Ponadto, jeśli masz odtwarzacz o przyzwoitej jakości, prawdopodobnie będziesz chciał wykonać pre-roll przed każdą edycją, aby upewnić się, że taśma jest nastawiona na prędkość przed rozpoczęciem nagrywania.

Cięcie do musicalu beat jest jeszcze prostszy z nieliniowym systemem edycji. Zaznaczasz bity muzyki i po prostu przeciągasz i upuszczasz nowe ujęcia na oś czasu, aby dopasować tempo ścieżki dźwiękowej.

Bat wizualny jest podobny do rytmu w komedii – trochę martwy punkt który pozwala zatopić się w poprzednim obrazie (lub dowcipie). Na tych odpowietrznikach możesz odciąć się od wszystkiego (powiązanego lub nie). Ponieważ następuje chwilowa przerwa („uderzenie”), publiczność nie oczekuje, że ruch w bieżącym ujęciu będzie kontynuowany. Jest to przydatne zarówno w przypadku filmów dokumentalnych (w których mieszasz wiele różnych materiałów), jak i dramatu (gdzie musisz kontrolować tempo i przebieg fabuły).

Poza tymi bardziej subtelnymi trochę hollywoodzkiej „gramatyki”, istnieje wiele innych „słów i zwrotów”, które mogą pomóc ci opowiedzieć twoją historię. Poniżej znajduje się lista niektórych z najczęstszych (i użytecznych) „wyrażeń” do Twojej dyspozycji:

Sztuczki Hollywood Look mogą sprawić, że Twoja praca będzie wyglądać bezproblemowo i klasycznie – i to nie jest złudzenie. To zależy od Ciebie; mówienie do odbiorców w zrozumiałym języku opowiadania zagwarantuje, że zrozumieją Twój przekaz.