i. Zrozumienie oświetlenia Rembrandt:
Zanim zanurzysz się w Lightroom, zrozum kluczowe elementy oświetlenia Rembrandt:
* Pojedyncze źródło światła: Zazwyczaj jedno skoncentrowane źródło światła z boku i nieco powyżej obiektu.
* Patch Rembrandt (trójkąt światła): Signatury jest mały, wyraźny trójkąt światła na policzku najdalej od źródła światła. Ta łatka ma kluczowe znaczenie dla osiągnięcia wyglądu.
* głębokie cienie: Znaczna część twarzy znajduje się w głębokim cieniu, tworząc dramatyczny kontrast.
* Subtelne gradacje: Gładkie przejścia między atrakcjami i cieniami, unikając ostrych linii.
* ciepłe tony: Ogólne ciepło dla najważniejszych atrakcji i środkowych, często pochylających się w kierunku złotych odcieni.
* ciemne tła: Obiekt jest często umieszczany na ciemnym, niewypłaconym tle, co pomaga izolować i podkreślać temat.
ii. Idealne zdjęcie:
Zacznij od zdjęcia, które ma już potencjał. Idealnie, powinno:
* zostaną zastrzelone w RAW: Pliki RAW zachowują więcej informacji, zapewniając większą elastyczność w edycji.
* mają jedno źródło światła (lub naśladować jeden): Idealne jest zdjęcie wykonane z pojedynczym światłem studyjnym, światłem okiennym, a nawet dobrze umieszczoną lampą. Jeśli używasz wielu świateł, upewnij się, że ktoś jest wyraźnie dominujący.
* Pokaż nutę trójkąta Rembrandta: Nawet niewielkie wskazanie światła na policzku ułatwi proces.
* mają ciemniejsze tło: To nie jest obowiązkowe, ale oszczędza czas później.
iii. Lightroom Workflow:
Oto podział korekt Lightroom w celu osiągnięcia wyglądu Rembrandt. Pamiętaj, że są to wytyczne; Dostosuj się, aby dostosować się do konkretnego zdjęcia.
a. Panel podstawowy:
1. Ekspozycja: Obniż narażenie na pogłębienie cieni i stwórz ciemniejszy ogólny obraz. Cieraj na bardziej nastrojowy, niedoceniany wygląd.
2. Contrast: Zwiększ kontrast, aby podkreślić różnicę między wyświetleniami a cieniami. Uważaj, aby go nie przesadzić; subtelność jest kluczowa.
3. Podprawy: Odpuść najważniejsze informacje, aby chronić szczegóły i zapobiec ich wysadzeniu. Chcesz miękkich atrakcji, a nie trudnych.
4. Shadows: Lekko podnieś cienie, aby ujawnić pewne szczegóły w ciemniejszych obszarach, uniemożliwiając im całkowitą czarną. Subtelny winda jest lepsza niż duża.
5. białe: Dostosuj białe, aby kontrolować najjaśniejsze punkty na obrazie. Bądź konserwatywny.
6. czarne: Opuść Czarnych, aby pogłębić cienie i stworzyć bogatszy, bardziej dramatyczny wygląd.
7. Temperatura: Rozgrzej temperaturę, przesuwając ją w kierunku żółtego. To nadaje tonom skóry cieplejszy, bardziej klasyczny charakter.
8. Tint: Dostosuj odcień w kierunku magenta lub fioletu, ale bardzo subtelnie. To może uzupełnić ciepło.
9. Clarity: Nieco zmniejsz jasność. Obrazy Rembrandt nie są znane z ostrości. Niewielkie zmniejszenie jasności pomaga zmiękczyć skórę.
10. Vibrance/Nasycenie: Subtelnie zwiększaj wibrację, aby poprawić kolory, nie czyniąc ich zbyt nasyconymi.
b. Krzywa tonowa:
1. Krzywa punktowa (zalecana): Użyj krzywej punktu, aby uzyskać większą kontrolę. Utwórz delikatną S-Curve, aby dodać kontrast. Lekko rozciągnij podświetlenia i subtelnie podnieś cienie. Ogólnym efektem powinien być dopracowane wzmocnienie istniejącego kontrastu.
2. Krzywa regionu (alternatywa): Jeśli wolisz krzywą regionu, eksperymentuj z suwakami, aby niezależnie dostosować atrakcje, światła, ciemności i cienie. Cel jest taki sam jak w przypadku krzywej punktu:dodaj subtelny kontrast, zachowując szczegóły.
c. HSL/Kolor Panel:
1. hue: Dostosuj odcień czerwieni, pomarańczy i żółci, aby osiągnąć pożądany odcień skóry. Możesz lekko przesunąć czerwone w kierunku pomarańczowych i pomarańczych w kierunku żółtego, aby uzyskać cieplej, bardziej złoty wygląd.
2. Nasycenie: Desaturuj niektóre kolory (zwłaszcza bluesa i zieleni, jeśli są obecne w tle), aby zminimalizować rozproszenie uwagi i skupić się na tym temacie. Nieznacznie zwiększ nasycenie czerwieni i pomarańczy, aby wzmocnić odcienie skóry.
3. Luminance: Dostosuj luminancję odcieni skóry, aby udoskonalić atrakcje i cienie. Możesz lekko przyciemnić czerwone i pomarańcze, aby dodać głębokość.
d. Panel detali:
1. Wyostrzenie: Zastosuj * małą * wyostrzenie, koncentrując się na detalach takich jak oczy i usta. Zbyt duża ostrość pogorszy się od malarstwa. Użyj maskowania (przytrzymaj alt/opcję, regulując suwak maskujący), aby ograniczyć ostrzenie do obiektu i uniknąć szumu w tle.
2. Redukcja szumu: Zastosuj niewielką redukcję hałasu, aby wygładzić wszelkie niechciane ziarno, szczególnie w cieniu.
e. Panel efektów:
1. ziarno (opcjonalnie): Dodaj * bardzo * niewielką ilość ziarna, aby symulować teksturę obrazu olejnego. Zachowaj subtelne; Zbyt dużo ziarna będzie wyglądać nienaturalnie.
2. Vignetting: Dodaj niewielką ujemną winietę, aby przyciemnić krawędzie ramy i narysuj oko widza w kierunku obiektu.
f. Lokalne korekty (kluczowe dla udoskonalania):
* pędzel regulacyjny:
* Dodge and Burn: Użyj szczotki regulacyjnej, aby selektywnie rozjaśnić (Dodge) i przyciemnić (spal) określone obszary twarzy. Rozjaśnij wyróżnienie na policzku (łatka Rembrandt), grzbiet nosa i części czoła. Zaciemnij cienie wokół oczu, boki twarzy i pod brodą. Obniż ustawienie przepływu dla bardziej stopniowych i subtelnych regulacji.
* Ulepszenie oka: Użyj mniejszego pędzla, aby dodać odrobinę jasności i kontrastować z oczami, czyniąc je bardziej urzekającymi.
* Wygładzanie skóry: Użyj pędzla o zmniejszonej przejrzystości i ostrości, aby wygładzić wszelkie niedoskonałości.
* Filtr radialny:
* Spotlight: Użyj filtra promieniowego, aby dalej przyciemnić tło wokół obiektu, tworząc efekt „reflektor”. Odwróć maskę, aby efekt był * na zewnątrz * filtr promieniowy.
iv. Wskazówki i rozważania:
* subtelność jest kluczowa: Unikaj ekstremalnych korekt. Celem jest stworzenie naturalnego, malarskiego wyglądu, a nie nadmiernie przetworzonego obrazu.
* Pracuj niepodoziarmienie: Nieniszcząca edycja Lightroom pozwala eksperymentować bez trwałej zmiany oryginalnego zdjęcia.
* Ćwicz i eksperyment: Najlepszym sposobem opanowania tej techniki jest ćwiczenie z różnymi zdjęciami i eksperymentowanie z ustawieniami.
* Odwołaj obrazy Rembrandta: Badaj prace Rembrandta, aby zrozumieć, w jaki sposób używał światła, cienia i koloru. Zwróć uwagę na odcienie skóry, umieszczenie pasemek i cieni oraz ogólny nastrój.
* Dostosuj dla każdego obrazu: Te kroki są wytycznymi. Optymalne ustawienia będą się różnić w zależności od oświetlenia oryginalnego zdjęcia, kompozycji i ogólnego tonu.
v. Przykładowe ustawienia (odpowiednio punkt początkowy odpowiednio):
To są punkty początkowe. Dostosuj je do konkretnego zdjęcia.
* podstawowe:
* Ekspozycja:-0,5 do -1,5
* Kontrast:+20 do +40
* Najważniejsze informacje:-30 do -60
* Cienie:+10 do +30
* Białe:-10 do -20
* Czarni:-20 do -40
* Temperatura:+5 do +15
* Odcień:+2 do +5
* Jasność:-5 do -15
* Vibrance:+5 do +15
* detal:
* Wyostrzenie:kwota:20-40, promień:1.0, szczegóły:25, maskowanie:50-70
* Redukcja szumu:luminancja:5-15
* Efekty:
* Ziarno:Ilość:5-10, rozmiar:25, chropowatość:25
* Winieta:kwota:-10 do -30
Podążając za tymi krokami i eksperymentując z ustawieniami, możesz tworzyć oszałamiające, ciemne i nastrojowe portrety w stylu Rembrandt w Lightroom, które wychwytują ponadczasowe piękno i dramat pracy holenderskiego mistrza. Pamiętaj, aby zawsze pamiętać o subtelności światła i cienia, a także dostosowywać regulacje do każdego zdjęcia. Powodzenia!