i. Zrozumienie oświetlenia Rembrandt
* Kluczowa charakterystyka:Patch Rembrandt. Cechą charakterystyczną tego stylu jest mały trójkąt lub diament światła na policzku naprzeciwko głównego źródła światła. To Catchlight jest kluczowe.
* źródło światła: Zazwyczaj używane jest jedno skoncentrowane źródło światła. Może to być naturalne światło (jak okno) lub sztuczne światło (jak danie z softbox lub danie kosmetyczne).
* Shadows: Rozległe cienie są kluczowym elementem. Tworzą głębię i nastrój.
* nastrój: Oświetlenie Rembrandt wiąże się z dramatem, introspekcją i klasycznym, malarzem.
ii. Zanim zaczniesz:idealna fotografia
* Idealny obraz źródłowy: Chociaż możesz pracować z większością zdjęć, najlepiej zacząć od obrazu, który ma już oświetlenie kierunkowe i stosunkowo ciemne tło.
* Dobre punkty początkowe: Zdjęcia wykonane w pomieszczeniu w pobliżu okna (z przedmiotem skierowanym do okna pod kątem) lub zdjęcia wykonane z pojedynczym lampą błyskową poza kamerą.
* mniej idealny: Zelekle oświetlone obrazy (jak te zrobione z lampy lampy na kamerze bezpośrednio na temat) będą wymagały znacznie więcej pracy.
* Pose: Twarz pacjenta powinna być częściowo odwrócona od źródła światła, aby umożliwić charakterystyczny wzór oświetlenia Rembrandt.
iii. Regulacja Lightroom:przewodnik krok po kroku
Zakłada się, że pracujesz w Lightroom Classic lub Lightroom CC. Nazwy i pozycje suwaków mogą się nieznacznie różnić między wersjami.
1. Podstawowe korekty panelu:
* Ekspozycja: Zacznij od ograniczenia ogólnej ekspozycji. Dążymy do ciemniejszego, bardziej dramatycznego uczucia. Nakładaj, ale nie trać zbyt wielu szczegółów. Cel dla -0,5 do -1,5, w zależności od obrazu.
* kontrast: Zwiększ kontrast znacznie, aby stworzyć większy rozdział między atrakcjami i cieniami. Spróbuj +20 do +50.
* Podprawy: Opuść najważniejsze informacje, aby odzyskać szczegóły w najjaśniejszych obszarach. Może to zapobiec wysadzeniu obszarów na twarzy. -30 do -70 może być potrzebne.
* Shadows: To jest kluczowe. Drastycznie opuść cienie, aby je pogłębić. To zwiększy efekt Moody. -60 do -100 to dobry punkt wyjścia.
* białe: Dostosuj białe, aby ustawić najjaśniejszy punkt na obrazie. Eksperyment, aby znaleźć to, co działa najlepiej - czasami ich zwiększenie może pomóc stworzyć subtelny blask, innym razem zmniejszenie jest lepsze.
* czarne: Obniżenie Czarnych dalej pogłębi ciemne obszary. -30 do -70 to dobry punkt wyjścia. Nie miażdaj Czarnych całkowicie; Zostaw kilka szczegółów.
* Clarity: Zwiększ jasność subtelnie. Może to wzmocnić teksturę i szczegóły na twarzy. +5 do +20. Przesunięcie sprawi, że obraz będzie wyglądał surowo.
* dehaze: Używaj tego oszczędnie, może to zwiększyć dramat, ale zbyt wiele może wyglądać sztucznie. +5 do +15
2. Dostosowanie krzywej tonu:
* Utwórz S-Curve: Jest to klasyczna technika zwiększania kontrastu. Pociągnij w lewo do dolnej lewej krzywej, aby przyciemnić cienie i podciągnij górny prawy w prawo, aby rozjaśnić atrakcje. Początkowo uczyń krzywą stosunkowo subtelną. Umierza to kontrast stworzony przez podstawowe suwaki.
* Krzywe kanału (opcjonalnie): Aby uzyskać większą kontrolę nad tonami kolorów, możesz indywidualnie dostosować czerwone, zielone i niebieskie krzywe. Na przykład dodanie niewielkiej kątów S do niebieskiego kanału może dodać subtelny chłodny ton do cieni.
3. Regulacja HSL/kolorów:
* Luminance: Skoncentruj się na suwakach opraw.
* pomarańczowy/żółty: Dostosuj luminancję pomarańczowych i żółtych odcieni (które zwykle wpływają na odcienie skóry), aby udoskonalić jasność twarzy. Obniżenie pomarańczowej luminancji może pogłębić odcienie skóry. Zwiększenie go może stworzyć subtelny blask.
* Inne kolory: Opuść luminancję innych kolorów (zwłaszcza bluesa i zieleni w tle), aby dalej przyciemnić obraz i zwrócić uwagę na twarz.
* Nasycenie: Zmniejsz nasycenie kolorów, które rozpraszają lub zbyt żywe. Despirujący blues i zielenie są powszechne. Ogólna redukcja nasycenia 5-10 może pomóc w stworzeniu bardziej wyciszonego i ponadczasowego wyczucia.
* hue: Można dokonać subtelnych regulacji odcienia w celu zrównoważenia odcieni skóry.
4. Panel detali (wyostrzenie i redukcja szumów):
* wyostrzenie: Zwiększ wyostrzanie umiarkowanie, aby zwiększyć szczegóły. Użyj suwaka maskującego, aby zapobiec wyostrzeniu w obszarach takich jak tło.
* Redukcja szumu: W razie potrzeby zmniejsz hałas (szczególnie w cieniu) bez poświęcania zbyt wielu szczegółów.
5. Panel efektów:
* Vignetting: Dodaj subtelną ciemną winietę, aby dalej przyciągnąć oko na środek obrazu. Użyj wartości ujemnej (np. -10 do -30). Dostosuj punkt środkowy i pióro, aby kontrolować efekt.
* ziarno: Dodanie odrobiny ziarna może poprawić filmową, malarską jakość obrazu. Użyj niewielkiej ilości (np. 5-15).
6. Panel kalibracji (kalibracja kamery):
* To jest zaawansowane ustawienie, ale zmiana profilu aparatu z „Adobe Color” na „neutralny aparat” lub „Standard kamery” może dać więcej naturalnych kolorów, które mogą być dobrym punktem wyjścia.
7. Lokalne korekty (maskowanie):
* Filtr promieniowy/Gradued Filtr/Regulament Smash: Są to potężne narzędzia do dostrajania określonych obszarów.
* unikanie i spalanie: Użyj pędzla regulacyjnego, aby subtelnie unikać (rozjaśniania) obszarów, takich jak oczy, Rembrandt Patch of Light na policzku i ust. Burn (ciemne) obszary, które są zbyt jasne lub rozpraszające.
* Izoluj cechy: Użyj pędzla, aby przyciemnić obszary wokół twarzy, aby skupić uwagę.
* udoskonal maskę: Użyj opcji REFINE MASK po użyciu narzędzia szczotki, aby dostroić krawędzie. Jest to szczególnie przydatne podczas maskowania wokół włosów.
iv. Kluczowe wskazówki i rozważania:
* Zachowaj szczegóły: Unikaj zmiażdżenia czarnych lub całkowicie wysadzania najważniejszych wydarzeń. Zawsze zostawiaj kilka szczegółów w cieniu i atrakcjach.
* tony skóry: Zwróć szczególną uwagę na odcienie skóry. Unikaj, aby wyglądały nienaturalnie lub zbyt pomarańczowe. Użyj suwaków HSL, aby je dostroić.
* subtelność: Nie przesadzaj z korektami. Najlepsze portrety w stylu Rembrandta mają naturalny, malarzowy charakter, a nie nadmiernie przetworzony wygląd.
* eksperyment: To tylko wytyczne. Konkretne ustawienia będą się różnić w zależności od obrazu. Nie bój się eksperymentować i znaleźć to, co działa najlepiej.
* Obrazy odniesienia: Przestudiuj prawdziwe obrazy Rembrandt i zdjęcia w stylu Rembrandt. Zwróć uwagę na wzorce oświetleniowe, cienie i nastrój.
* Ćwicz: Tworzenie tego stylu wymaga praktyki. Nie zniechęcaj się, jeśli twoje pierwsze próby nie są idealne. Eksperymentuj dalej, a z czasem poprawisz się.
* Użyj ustawień wstępnych jako bazy: Istnieje również wiele ustawień wstępnych, które można pobrać, które automatycznie stworzą ciemne i nastrojowe oświetlenie Rembrandt. Mogą to być dobry punkt wyjścia, ale może być konieczne dostosowanie ich zgodnie z potrzebami twojego zdjęcia.
Przykładowe podsumowanie przepływu pracy:
1. Basic Panel: Ekspozycja -0,8, kontrast +35, wyświetlenia -50, cienie -80, białe +5, czarne -40, klarowność +10, dehaze +8
2. krzywa tonowa: Subtelny Curve S.
3. HSL/Color: Pomarańczowa luminancja -10, nasycenie niebieskie -15, nasycenie zielone -20
4. detal: Wyostrzenie (ilość 60, promień 1,0, detal 25, maskowanie 40), redukcja szumu (luminancja 10)
5. Efekty: Winieccja -20, punkt połowie 50, pióro 70
6. Lokalne korekty: Unikaj oczu i łatki Rembrandt, spal okoliczne obszary
Podążając za tymi krokami i regularnie ćwicząc, możesz tworzyć oszałamiające i sugestywne portrety w stylu Rembrandt w Lightroom. Powodzenia!